INTERNACIONAL
Un recorrido por arteba, a través de 14 obras de grandes artistas
Hay en arteba muchas ferias de arte por recorrer. Con más de 400 artistas en los pabellanes de Costa Salguero, a veces elegir en qué centrarse resulta más complejo de lo que se desea.
Para los amantes de la historia, aquí un recorrido por algunas por obras “raras”, históricas del siglo XX. Esta es una nota para recorrer el gran evento del arte argentino abstraído del ruido, centrada exclusivamente en piezas de grandes artistas que, de alguna manera, pueden servir para armar una historia del arte argentino del siglo XX. A caminar:
Comenzar el recorrido por la galería Rubbers (stand ) con uno de los grandes artistas de la historia, testigo de las vanguardias europeas in situ, pero que desarrolló una perspectiva única en el mundo del arte parece lo más justo.
Realizada cinco antes de su regreso a Buenos Aires, Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari (1887-1967) ya había pasado por Londres, París, Florencia y Milán; conocido al ocultista Aleister Crowley, quien le había enseñado a tener visiones a través del I Ching, y se había codeado con Picasso y Modigliani, entre otros.
En 1917 se produjo el icónico encuentro con Emilio Pettoruti, cambia su nombre y un año después creó una serie de proyectos a los que denomina Bau, arquitecturas montadas en pequeñas cartulinas con elementos de naturaleza mística y simbólica correspondientes a diferentes culturas, en la que mixturaba el estilo neogótico con los templos orientales.
En noviembre de 1919 se instaló en Londres, donde habría realizado esta acuarela sobre papel montado sobre cartón, de 12 x 21 cm, en una época en que se dedicó a crear sus lenguajes -la panlengua y el neocrriollo- a la vez que inventaba instrumentos, como el panajedrez. En lo figurativo, como se puede observar, su obra de entonces estaba centrada en los retratos femeninos.
En la uruguaya Sur se puede apreciar esta obra temprana del artista, realizada tras su primer viaje a Francia, donde se encuentra con el surrealismo.
En un diálogo con Infobae Cultura, Gabriela Francone, autora de Argentina surreal, comentó: “En París, obviamente, pudo ver un montón de muestras súper importantes de esta vanguardia, que fue la última en aparecer de las históricas y claramente vemos su profunda admiración por De Chirico y también asumo que leyó este libro maravilloso de Louis Aragon, Un campesino de París, porque hay ciertas referencias muy significativas iconográficas en su obra. Berni, las veces que se refiere al surrealismo, habla de esta revolución moral”.
El personaje principal es el francés Henri Landru, famoso asesino en serie, el “Barba Azul de Gambais”, que a través de avisios en diaris se acercaba a viudas desconsoladas de la Primera Guerra Mundial para ofrecer su amistad, como ex combatiente, pero para quedarse con su dinero tras asesinarlas.
Este óleo con cemento, láminas de cobre, bronce y zinc sobre cartón, de 69 x 49 cm, puede visitarse en Roldán Moderno.
Su aparición en público se produjo en la “Primera muestra de Arte no figurativo” en la Asociación Amigos del Arte en mayo de 1934, en la que fue, en realidad, su segunda exposición bstracta en el mítico espacio porteño, después de la 1933.
En ambos casos, el ruptirismo de italo-argentino (1897-1987) despertó críticas feroces y una recepción negativa del ámbito artístico porteño. Para esta histórica muestra, Del Prete incorporó mayor corporalidad a las obras, además de centrarse en la escultura en la que experimentó con yeso directo, alambre y readymades, como un paragüas o mascarones de proa.
Artista de estilo espontáneo, Del Prete no se repetía a si mismo, como si cada obra fuera resultado del fulgor interno de su momento. Antes de estas muestras en la AAA viajó a París por una beca, donde estuvo en contacto con los espacios de ebullición del arte abstracto y formó parte del Abstraction Creation Art non Figuratif junto a Arp, Calder, Kupka y Mondrian, entre otros. Junto a ellos participó en el número 2 de la revista Abstraction Création (1933).
La pieza tiene un extenso recorrido expositivo, siendo la última vez que se vio en público en el país en la muestra Yente – Del Prete. Vida venturosa, realizada en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires en 2022, y en el exterior en la última edición de la Bienal de Venecia, en 2024.
En el año de esta pieza de hierro, de 62 x 74 cm que se haya en galería de las misiones, el uruguayo Joaquín Torres-García (1874-1949) publicó su libro Ciudad sin Nombre, una obra fundamental en su pensamiento, a partir de la cual comienza a incorporar elementos visuales urbanos en su obra para terminar de definir su lenguaje.
Torres García se trasladó en su juventud a Barcelona, donde se formó y colaboró con Antoni Gaudí. Más tarde, residió en Nueva York, París y Madrid, donde se vinculó con las vanguardias europeas, como el cubismo y el neoplasticismo, y mantuvo contacto con figuras como Mondrian y Theo van Doesburg.
Para 1941, ya había impulsado desde Montevideo la creación de la Escuela del Sur (1934), con el objetivo de forjar un arte latinoamericano propio que fusionara la abstracción geométrica con símbolos precolombinos y universales. Su propuesta, el Universalismo Constructivo, defendía la integración entre arte y vida, y buscaba una síntesis entre lo local y lo universal.
En el espacio de Calvaresi se puede apreciar esta obra de la artista nacida en Francia (París, 1899 – Buenos Aires, 1973), quien no ha tenido aún el reconocimiento como pintora, que sí tuvo como crítica de arte, galerista y curadora.
Las razones son varias: Por supuesto, la construcción del canon masculino siempre está allí y eso aumentó, en parte, por quedar detrás de la figura de su esposo, el escultor Pablo Curatella Manes. Por otro lado, su producción como crítica del arte y su labor destacada al frente de la histórica galería Lirolay, entre 1960 y 1963, en ese momento una de las más rupturista de la escena, contribuyó a que su figura sea vista de lo teórico, más que lo de lo creativo.
Estudió bajo la tutela de André Lhote, maestro de otros grandes artistas, tuvo su debut expositivo a los 18 años, mientras mantenía un vínculo de amistad con Le Corbusier y Juan Gris, pero con la Segunda Guerra perdió todo, “no más pinceles ni colores” y ya en 1949 junto a su esposo e hijo, anduvieron por Dinamarca, Noruega y Grecia antes de llegar a Argentina.
La anunciación corresponde a aquellos años sombríos tras el saqueo alemán, en una París en que no quedaba nada de la bohemia y el encanto, solo la hambruna y una recuperación lenta y dolorosa. El óleo sobre tela, de 150 x 170 cm, remite al episodio bíblico en el que el arcángel Gabriel comunica a María que será madre del mesías, a partir de dos figuras geométricas en la que la mujer puede diferenciarse por la pureza del blanco.
Defensora a ultranza del arte abstracto, en un artículo de 1953, dos años después de llegar a Buenos Aires, escribe: “La guerra finalizó. Los más perspicaces han perdido por un largo tiempo la alegría de vivir. No creen más en el hombre, no creen más en la ciencia para el conocimiento de uno mismo. En esta desesperanza, voltean sus miradas hacia la única esperanza que les queda: lo espiritual en el hombre. Es en ese contexto que nace el arte abstracto”.
El querido Yuyo Noé (1933), quien nos dejó este año, fue uno de los pintores más importantes del país, no solo de su generación, con una obra potente a la que además le sumó la crítica y teoría sobre la estética.
Esta obra, que puede verse en Palatina, fue realizada luego de su Serie Federal, 13 óleos que repasaban la historia argentina presentados en 1961, y en los inicios de su trabajo dentro del grupo Otra Figuración, com Deira, Macció y De la Vega.
El título alude a Alejandro Mc Lennan, apodado “Chancho colorado”, quien en 1896 fue contratado como capataz en la Estancia Primera Argentina del poderoso ganadero español José Menéndez de Tierra del Fuego, para cazar a los pueblos originarios de la zona con el fin de expandir su territorio y producción.
El óleo y esmalte sobre tela -194 x 96 cm- realizada el mismo año en que Yuyo obtuvo el Premio Nacional del mítico Instituto Di Tella por Introducción a la esperanza, donada Museo Nacional de Bellas Artes, muestra la preocupación y su mirada por las cuestiones relacionadas a la historia pero desde un ingreso hacia la perspectiva social.
A partir de la fantástica muestra Alienígena, la primera retrospectiva de su obra, en Colección Amalita, y la exhibición Constancia de la especie, donde se presentaba su archivo, la figura de Emilio Renart (1925-1991) salió a la luz después de décadas de ostracismo y mitos sobre su producción.
En el stand de galería Del Infinito, puede verse esta peculiar tinta sobre papel, de 112 x 76 cm, realizada en la época de su sere más emblemática, Integralismo Bio-Cosmos (1962-1967), compuesta por cinco piezas que exploraban la relación entre la materia, la vida biológica y la conciencia humana, inspirándose en la física nuclear y las ciencias biológicas.
En aquella época, además, recibió diferentes galardones, como el Ver y Estimar en 1963, el Premio Especial del Instituto Di Tella del ’64, y el Braque, organizado por la Embajada de Francia, un año después, en la categoría dibujo, así como fue parte del envío argentino a la Bienal de San Pablo en 1967.
La obra Integralismo Bio-Cosmo No5, presentada en la bienal brasileña, se destacó por su uso de resina poliéster y luces integradas, aunque se destruyó durante su traslado de regreso a Buenos Aires.
La pintura de Deira (1928-1986), ha sido descrita por la historiadora e investigadora del Conicet Isabel Plante como “una obra de museo, en el sentido de que parece una especie de declaración de principios de la Nueva Figuración”.
Y es que el óleo y esmalte sobre tela, de 160 x 195,5 cm, que reapareció en el ojo público en la muestra Formas de ser humanos, en la galería María Calcaterra, fue realizada unos años después de la formación del emblemático grupo, del que también participaron, Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega y Rómulo Macció, con la muestra en la Galería Peuser durante 1961.
“Son muy de ese momento, de esos primeros años 60, muy feroces en su factura, muy cargadas. Uno siente que hay como una especie de batalla que se libra, que tiene lugar en la superficie de la tela, y eso es increíble, porque si bien estamos acostumbrados al arte moderno o a las distintas vanguardias, hay algo de ese forcejeo que se sigue haciendo presente”.
Sobre esta pieza en particular, Plante comentó: “Si se la mira rápido, hasta puede parecerte una obra abstracta, pero si le prestás un poquito de atención hay como dos óvalos rojos, sobre un fondo azul, y lo que hay adentro son como dos parodias de retratos. Está el recurso de la imagen dentro de la imagen, como un comentario hecho desde la pintura sobre la función retratística, que no terminan de ser retratos, no hay manera de identificar a quien está. Bueno, están representados a la figuración, a la Nueva Figuración”.
Sarah Grilo (1917-2007) se posicionó como una de las figuras clave de la pintura abstracta en Buenos Aires durante los años 50, luego de haber vivido en Madrid y París, donde realizó su primera muestra donde indagaba en el cubismo.
Fue parte del grupo Artistas Modernos de la Argentina, bajo la conducción de Aldo Pellegrini, junto a Enio Iommi, Alfredo Hlito, Tomás Maldonado, Lidy Prati y su esposo, José Antonio Fernández-Muro, entre otros, con quienes expuso en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y el Stedelijk de Ámsterdam hasta que se disolvió en 1954
En 1962, se mudó Nueva York y realizó obras en las que integró elementos del entorno urbano, como letreros, vallas publicitarias y el grafiti, con el deseo de abandonar “el puro arreglo formal-cromático-matérico totalmente abstracto”. Un cuadro de esta serie, Agregar del mismo año, se encuentro en el acervo del MoMa.
En el óleo sobre lienzo, de 55,5 X 41cm, que se encuentra en Jorge Mara La Ruche, se observa la influencia de la intensidad visual de la metrópolis. Grilo expresó sobre su proceso creativo: “Aquí encuentro todo lo que necesito para mi pintura. Constantemente suceden cosas que pueden incorporarse como abstracciones; basta con mirar por la ventana o caminar por la calle”.
La salteña María Martorell (1909 – 2010) es una de las principales figuras de la abstracción argentina, tanto en la pintura como en los textiles y sus obras destacan en Remota.
Si bien sus inicios fueron figurativos, su paso a la abstracción comenzó durante los ‘50, cuando comenzó su periplo europeo: Madrid y París, donde se vinculó con la Galería de Arte de Denise René, referente de la abstracción óptica y cinética, y donde descubrió la obra de Mondrian.
Durante los años 60, década a la que pertenece este óleo sobre tela -52 x 52cm- alcanza su mayor visibilidad, con una destacad expo en Nueva York y su primera muestra de tapices en Salta. En 1962 expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Chile y en 1963 integró la histórica Ocho artistas constructivos, invitada por Romero Brest, en el Bellas Artes (MNBA).
“A fines de los años sesenta realizó un cambio definitorio: centrarse en la presentación de un movimiento continuo mediante bandas ondulantes de color; sin duda una evolución conceptual de su pintura de elipsis rítmicas ejecutadas desde 1962″, escribió el historiador e investigador Roberto Amigo sobre su obra.
La incorporación del telar en el mundo del arte de los últimos años produjo la revalorazación de muchos artistas que habían sido dejado de lado, entre ellos el salteño Carlos Luis “Pajita” García Bes (1914-1978), quien además fue un destacado promotor cultural en la provincia norteña.
Conocedor de las culturas chané y chiriguana, de sus ritos y ceremonias, Pajita integró en sus textiles, como puede verse en este tapiz de 95x138cm que se encuentra en María Casado, elementos de la cultura precolombina y europea, así como del sincretismo de expresiones populares, convirtiéndolo en un revolucionario del textil argentino.
Su obra, que abarcó desde la pintura hasta el tapiz, incorporó influencias de las vanguardias del siglo XX y de pensadores como Mircea Eliade, Levi-Strauss y Margaret Mead. Un poeta cercano a García Bes describió su proceso creativo: “hurgueteó esos antiguos. Los despertó y los volvió a dormir sobre las lanas de oveja que tramaba en los telares criollos de la casa de la calle Zuviría”.
A lo largo de su carrera, fundó y dirigió la Escuela provincial de Bellas Artes Tomás de Cabrera, ejerció como director de Cultura de Salta, fue miembro y asesor de ferias artesanales, delegado del Fondo Nacional de las Artes, jurado en salones de artes plásticas y artesanales, y expuso en galerías y museos tanto en Argentina como en el extranjero. Entre sus aportes materiales, donó colecciones arqueológicas y artesanales, así como máscaras, títeres y marionetas de diversas culturas y épocas.
Hace unos años, con la retrospectiva Quiero ser luz y quedarme en Colección Amalita, la obra de Santiago García Sáenz (1965-2006) regresó a la escena y a ser observada desde otro lugar.
En galería Hache se presentan una serie de piezas que, hasta el momento, jamás se habían mostrado y que revelan otro aspecto del artista, lejos del misticismo, lo religioso y la martirización, a través de unos collages de la serie de superhéroes creada en los ochenta, en los que explora el cuerpo masculino en un contexto de deseo y sufrimiento.
El collage de tinta, acrílico y tiza pastel sobre papel, de 70 x 100 cm, fue realizado durante el periodo de apertura tras la dictadura, refleja un ambiente marcado por el vértigo nocturno y la libertad sexual característica del destape.
Las escenas, que alternan entre lo orgiástico y lo homoerótico, están compuestas por figuras masculinas en situaciones de tensión y placer, con referencias hacia el pop centradas en la idealización de lo masculino a través de personanes como Superman o Spider Man que, a la vez, también nos hablan de una construcción de un imaginario de las industrias culturales del norte.
Volviendo a Colección Amalita, las obras tienen puntos de conexión con la muestra Esto soy yo, dedicada a Alfredo Londaibere, en especial las realizadas también al fragor del regreso democrático y ese descontrolado deseo por habitar el propio deseo que se abría.
La colaboración entre Alfredo Prior (1952-2024) y Guillermo Kuitca (1961) marcó un punto de inflexión en la escena artística de Buenos Aires durante los 80, cuando una generación de creadores irrumpió con propuestas que desbordaban los límites tradicionales de las artes visuales.
En ese contexto, Prior no solo se destacó como pintor, sino que también incursionó en la escritura, la música y la performance, consolidando su presencia en la vanguardia cultural de la época. Junto a otros artistas, co-administró el espacio de performance La Zona, que se convirtió en un núcleo de experimentación y encuentro para quienes buscaban nuevas formas de expresión.
La trayectoria de Kuitca se entrelazó con la de Prior en múltiples proyectos. Ambos participaron en la exposición La Anavanguardia en el Estudio Giesso, un evento que reunió a una “banda de jóvenes artistas” decididos a transformar el panorama artístico argentino.
El impacto de esta generación se reflejó en la proyección internacional de sus integrantes. Prior representó a Argentina en la Bienal de San Pablo en 1985, consolidando su reconocimiento fuera del país. Además, integró la banda Super Siempre, lo que evidencia la amplitud de su búsqueda creativa y su interés por el cruce entre música y artes visuales.
La pieza de técnica mixta sobre papel -260 x 260 cm-, que se localiza en Vasari, relata el mito de Zeus, disfrazado de toro blanco para raptar a la princesa Europa y llevarla a Creta, platenando un puente con toda una tradición del arte desde la antigüedad.
La escena, que suele mostrar a Europa sobre el lomo del toro en el mar, rodeada de delfines y cupidos alados, ha sido interpretada por figuras como Tiziano, Veronese, Simon Vouet y Rubens, entre otros. Como sucede en el relato (y sus representaciones), las compañeras de la princesa aparecen en la orilla, observando el rapto y gesticulando.
Liliana Maresca (1951-1994) se consolidó como una de las figuras centrales del arte en Buenos Aires durante los años 80. Su trabajo, que abarcó pintura, escultura, instalaciones, performances y fotoperformances, se caracterizó por la integración de elementos neo-dadá, influencias minimalistas y estrategias conceptuales propias de la segunda mitad del siglo XX en Argentina.
En la segunda parte de su carrera, Maresca utilizó la fotoperformance como medio para denunciar violencia social y de género, así como la hipocresía y los dobles discursos presentes en la sociedad. En estas obras, su propio cuerpo se convirtió en el eje de la acción, asumiendo identidades ficticias para transformar la imagen en un registro tanto estético como documental.
En esta idea ingresa los registros de “Ouroboros”, pieza para la que fue desarmanda página por página los libros leídos de su biblioteca para construir una enorme serpiente de veintiséis metros cuadrados, que se mordía la cola, término tomado del médico y alquimista Paracelso.
La experiencia, que se puede ver en Rolf, fue realizada en el parque de esculturas de la Plaza Seca de la Facultad de Filosofia y Letras de la Universidad de Buenos Aires durante 1991 y finalizó con la incinerización de la pieza.
La artista también recurrió a los medios gráficos para cuestionar la unicidad de la obra de arte, multiplicando su imagen en formato de afiche y acercándose al terreno de la comunicación masiva. Entre sus trabajos más destacados figuran “Liliana Maresca con su obra”, “Imagen pública – Altas Esferas” y los autorretratos realizados en el Edificio Marconetti y el Museo Nacional de Bellas Artes.
*Arteba, en el Centro Costa Salguero, Av. Costanera Rafael Obligado 1221. Entradas generales: $14.000, con promociones y descuentos para estudiantes, jubilados, menores de 10 años y personas con CUD, quienes podrán ingresar gratuitamente junto a un acompañante.
Fotos: RS Fotos en arteba y gentileza de las galerías
INTERNACIONAL
Newsom staffer who told California reporter to ‘f— off’ is raking in massive taxpayer-funded salary
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Isaac «Izzy» Gardon, a longtime Gavin Newsom staffer who made headlines earlier this week for telling a national reporter to «f— off» after she pressed him on the California governor’s reported dyslexia diagnosis, is raking in a hefty six-figure salary, a Fox News Digital review found.
While Newsom’s dyslexia diagnosis has been public for decades, interest in the matter was amplified amid the California governor’s book tour he launched this month. During one of his first stops on the tour, in Atlanta, Newsom was asked about his dyslexia in conversation with Democratic Mayor of Atlanta Andre Dickens, who asked what he hoped readers would take away from the discussion about his diagnosis in the governor’s new book.
«I’m like you. I’m no better than you. You know, I’m a 960 SAT guy,» Newsom said in response, garnering criticism online that he was pandering to the Black community.
Amid the rebukes from MAGA world and Republicans, Real Clear Politics (RCP) national correspondent Susan Crabtree reached out to Gardon for verification on his childhood disability diagnosis. In response, Gardon told her to «respectfully, f— off.»
Democratic Party Governor of California, Gavin Newsom, holds up his new memoir during a book tour event in South Carolina earlier this month. (Peter Zay/Anadolu via Getty Images)
The testy response led to further criticism targeting Newsom’s office and Gardon, including from RCP’s Carl Cannon, who questioned why people who are offended so deeply by Trump «consistently imitate his worst behavior.» Newsom’s press office has been known to meet the White House’s pointed and often hostile social media posts targeting Democrats, which frequently include AI generated images, with similarly hostile social media posts targeting Trump and Republicans.
When reached for comment on this story, Gardon told Fox News Digital that «Susan is not a journalist.»
«She’s a MAGA blogger who writes about conspiracy theories,» Gardon added.
Transparent California, a statewide public pay and pension database, revealed that Gardon is being paid quite handsomely to be one of Newsom’s most ardent defenders online. Gardon has risen in stature from an administrative assistant making around $30,000 per year in 2019, to earning $212,154.02 in 2024 as a senior assistant and a in Newsom’s office.
NEWSOM BLASTED BY CA GOP CHAIR OVER VIRAL CLIP LABELED ‘RACIST’ BY CRITICS: ‘HE SHOULD BE EMBARRASSED’
California Gov. Gavin Newsom (D) seen laughing at an event earlier this month hosted by the South Carolina Democratic Party. (Sean Rayford/Getty Images)
Gardon’s «regular pay» in 2024 was $152,091.05. That was also supplemented by nearly $57,000 in benefits and another $3,141.16 in «other pay,» according to the database, leading to a combined annual payment of $212,154.02. However, his current pay, which does not appear to be publicly available online, is likely to be higher.
Following news of Gardon’s response to Crabtree’s follow-up, a senior reporter for the California Post also shared an email from Gardon in response to one of his media inquiries.
In Gardon’s response, he referred to the New York Post as the «New York Comic Book.» Then, when Koehn followed up, indicating the San Francisco Chronicle was covering the same story, Gardon replied, «I’d put that outlet in the same bucket,» according to Koehn, who posted screenshots of the pair’s back-and-forth on X.
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A man is seen holding a copy of California Gov. Gavin Newsom’s new memoir titled «Young Man In A Hurry.» (Sean Rayford/Getty Images)
While some top Newsom staffers have praised Gardon’s style, including his boss and senior advisor of communications, Bob Salladay, who told Politico that «Izzy’s creativity and imagination is part of what the governor is doing.» Some Democratic operatives have vocally been critical about his communication style, including Garry Tan, a prolific Democratic donor and CEO of Y Combinator
«Most unprofessional person to ever work in politics,» Tan posted on X. «Izzy Gardon brings shame to the Newsom campaign.»
Gardon also came under fire earlier this month when he referred to rapper and MAGA activist Nicki Minaj as a «stupid hoe» on X. He defended his social media post by pointing to her 2012 song called, «Stupid Hoe.»
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Más rápido que un avión: así es el tren sin vías que busca unir Londres y París en solo 20 minutos
El futuro del transporte europeo podría cambiar para siempre con la llegada del hyperloop. Un tren sin vías, capaz de conectar Londres y París en solo 20 minutos, se prueba actualmente en el norte de los Países Bajos. El sistema propone cápsulas que viajan en tubos de vacío a velocidades superiores a los 965 km/h, desafiando el concepto tradicional de distancia.
El portal de noticias internacional O Globo precisó que el proyecto impulsado por el Centro Europeo de Hyperloop en Veendam busca revolucionar la manera de viajar entre capitales europeas. En una entrevista con The Telegraph, el director del centro, Kees Mark, reveló que esta tecnología puede transformar la mentalidad sobre los viajes de larga distancia.
Destacó que la posibilidad de llegar a otra capital en menos de una hora representa un cambio sin precedentes. De acuerdo con los ingenieros responsables, el sistema aprovecha la levitación magnética para desplazar las cápsulas, eliminando el contacto físico y reduciendo el desgaste mecánico. El Centro Europeo de Hyperloop, inaugurado en 2024, utiliza un tubo de pruebas de 400 metros para experimentar con prototipos y maniobras complejas.
Recientemente, los investigadores lograron un avance clave al realizar un cambio de carril en el interior del tubo sin piezas móviles, solo con imanes. La prueba se realizó a 88 km/h y, según los técnicos, representa un paso fundamental para escalar la tecnología a redes más extensas. La idea original del hyperloop surgió en 2013, cuando Elon Musk propuso el concepto en un documento técnico. Desde entonces, empresas y universidades de todo el mundo desarrollan versiones propias, aunque algunos proyectos, como Virgin Hyperloop en Estados Unidos, se detuvieron por dificultades económicas.
Uno de los mayores atractivos del hyperloop radica en la drástica reducción del tiempo de viaje. Actualmente, el trayecto en tren entre París y Ámsterdam dura más de tres horas, pero la nueva tecnología promete cubrir distancias similares en menos de media hora. La levitación magnética, combinada con la ausencia de aire en los tubos, permite alcanzar velocidades superiores a las de un avión comercial.
El Centro Europeo de Hyperloop se posiciona como referente en el desarrollo de esta tecnología. Ingenieros y técnicos trabajan para resolver desafíos relacionados con la seguridad, la eficiencia y el control de las cápsulas en movimiento. De acuerdo con los expertos, la ausencia de contacto físico reduce la fricción y prolonga la vida útil de los componentes, aunque mantener el vacío en largas distancias sigue siendo un reto técnico.
La capacidad de maniobrar sin partes móviles y el uso de sistemas digitales para coordinar el tráfico de cápsulas representan innovaciones clave. Los responsables del proyecto confían en que estas soluciones faciliten la expansión del hyperloop a nivel continental. El avance en los Países Bajos marca una diferencia frente a los intentos anteriores y mantiene la esperanza de ver trenes ultrarrápidos en funcionamiento en Europa.
A pesar del optimismo, el hyperloop enfrenta obstáculos importantes. Mantener el vacío en tubos de gran longitud y prevenir fugas requiere tecnología avanzada y un monitoreo constante. El financiamiento representa otro desafío, ya que construir infraestructuras a escala real implica inversiones millonarias. Según especialistas, la viabilidad económica dependerá del apoyo estatal y de la colaboración entre empresas privadas y gobiernos.
Los proyectos de hyperloop ya generan interés en países como Emiratos Árabes Unidos, India, Italia y China. Este último cuenta con una pista experimental de casi dos kilómetros y realiza pruebas de aceleración rápida con vehículos de levitación magnética. Sin embargo, la capacidad de transporte sigue siendo tema de debate. Los prototipos actuales transportan pocos pasajeros, lo que podría limitar la accesibilidad y mantener las tarifas altas.
Los defensores de la tecnología sostienen que el objetivo es operar cientos de cápsulas autónomas, coordinadas digitalmente y circulando bajo demanda. Esta visión contrasta con la imagen tradicional de trenes convencionales, aún presentes junto al túnel experimental en Veendam. El desarrollo de sistemas inteligentes para gestionar el tráfico será crucial para garantizar la eficiencia y la seguridad.
Si bien los avances continúan, el hyperloop aún se encuentra en etapa experimental. La transición hacia una red comercial requerirá años de pruebas, inversiones y validación por parte de los organismos reguladores. Los responsables del Centro Europeo de Hyperloop confían en que el sistema podrá operar en rutas internacionales antes de 2040, siempre que la financiación y la cooperación internacional acompañen el proceso.
El contraste entre el futuro prometido y la realidad actual sigue presente. Los trenes tradicionales circulan junto al laboratorio de pruebas de Veendam, recordando que la revolución del transporte rápido todavía depende de la superación de desafíos tecnológicos y económicos. La expectativa crece en Europa ante la posibilidad de acortar distancias y transformar los viajes de larga distancia en trayectos de minutos.
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Taliban sends first envoy to India in diplomatic milestone as regional tensions reshape alliances
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Nearly five years after the Taliban’s takeover of Afghanistan, Kabul has appointed its first envoy to India, marking a significant milestone in diplomatic engagement between the two countries.
Noor Ahmad Noor, a Taliban-appointed diplomat, has assumed responsibility as Chargé d’Affaires at the Afghan Embassy in New Delhi, the first such posting to India since the Taliban returned to power more than four years ago. The move is the latest step in cultivating goodwill, as India’s role evolves in Afghanistan.
Taliban security personnel walk past a damaged car after cross-border clashes between Afghanistan and Pakistan. (Getty Images)
The renewed political and economic engagement with the Taliban comes at a time of surging cross-border violence between Afghanistan and Pakistan, which has plunged relations between the two neighbors to a dangerously low point. Just this week, tensions flared back up after a fresh round of deadly strikes and clashes. And nuclear-armed India wasted no time in strongly condemning Islamabad over the attacks and voiced support for Kabul’s sovereignty.
Against this backdrop of sustained hostilities, India stands out as one country that has much to gain. Experts say India’s reset with the Taliban reflects a pragmatic policy, aimed at countering Pakistani influence while protecting its own long-term security interests in the region.
«This is a classic case of ‘the enemy of my enemy is my friend,’» Sid Dubey, a visiting professor at Bennett University in India, told Fox News. «The only thing the two parties are mutually aligned on is Pakistan and the enmity both have toward the Islamic Republic.»
Kabul’s rapidly deteriorating relationship with Islamabad factors heavily into India’s calculations. For decades, Pakistan sought what it called «strategic depth» in Afghanistan, backing Taliban factions to ensure a friendly government in Kabul. But now, as frictions rise over border disputes, closer coordination between India and Afghanistan stretches Pakistan’s capacity to manage tensions on multiple fronts.
At the same time, analysts say, it gives India the opportunity to extend its influence in the region at the expense of another rival, China. Furthermore, Pakistan buffers India and Afghanistan, making strategic alignment between New Delhi and Kabul particularly significant.
TRUMP: US TRYING TO GET BAGRAM AIRBASE ‘BACK’ FROM TALIBAN IN AFGHANISTAN
Eastern Afghanistan shares a border with India’s neighbor Pakistan. (AP Photo)
«Afghanistan is cursed by its geography and proximity to foreign powers who will always meddle,» Dubey explained, as regional fault lines only continue to sharpen. «And with virtually no American influence on the Taliban government anymore, Delhi feels secure in going ahead with its own India-centric Afghan policy.»
Like most other countries, India does not formally recognize the Taliban regime in Afghanistan. Nevertheless, both nations have been taking a series of quiet but significant steps to deepen ties. Over the last year, several high-level diplomatic interactions have been billed as groundbreaking. Cooperation has expanded across the board, from healthcare and humanitarian aid to cultural exchanges and economic projects.
Dubey claimed there’s another big reason for Delhi’s push. «India supports all this in the hope or understanding that one day, if needed, India can use Afghanistan as a platform to strike Pakistan.»
Indian soldiers stand guard as a Kashmiri Muslim man walks by, in Srinagar, Indian-controlled Kashmir, Friday, May 9, 2025. (AP Photo/Mukhtar Khan)
For its part, Kabul is embracing this new era of cooperation, hailing the stronger ties with India as Pakistan views these developments with deep suspicion. Engagement with India also offers the Taliban a measure of legitimacy on the world stage.
As Dubey noted, Afghanistan remains one of the poorest and least developed countries in the world, heavily dependent on external assistance, making India’s aid extremely beneficial.
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Anand Prakash, joint secretary of the Pakistan, Afghanistan and Iran (PAI) Division at India’s Ministry of External Affairs (MEA), Afghanistan’s Taliban Foreign Minister Amir Khan Muttaqi and Vikramjit Singh Sahney, member of Rajya Sabha and an Indian entrepreneur, participate in a roundtable at the Federation of Indian Chambers of Commerce & Industry (FICCI) in New Delhi, India, Oct. 13, 2025. (Anushree Fadnavis/Reuters)
If sustained, India’s growing engagement with the Taliban could reshape changing regional dynamics. A weakened Pakistan-Taliban relationship undercuts Islamabad’s long-standing leverage in Kabul, altering the formerly established balance of power. It also complicates China’s calculus, as Beijing weighs its own security concerns.
Looking further ahead, if Washington again expands its involvement in Afghanistan, New Delhi could serve as a key intermediary, given that U.S. and Indian ties are also on an upward trajectory.
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