(Enviada especial a Nueva Jersey) El MetLife Stadium de Nueva Jersey, ubicado estratégicamente justo en el límite con Nueva York, vibró la noche del jueves con la primera de las dos presentaciones de Karol G en el marco de su gira Viajando Por El Mundo Tropitour. Desde el piso del estadio, a pocos metros del escenario, Teleshow fue testigo de una fiesta de más de dos horas que combinó perreo, nostalgia y un mensaje constante de orgullo latino.

Al ingresar, cada espectador recibió un collar con luces LED que se sincronizaba automáticamente con la música y los cambios de escena, un detalle que desde temprano tiñó de color las tribunas completas del estadio de los Giants y los Jets, mientras la telonera Elena Rose calentaba la previa con sus canciones. Desde las 20:30, la cuenta regresiva en las pantallas marcó el inicio de la espera. Los músicos ya estaban en posición sobre el escenario mientras una selección salsera acompañaba los minutos previos. El diseño del escenario, con una estructura de piedra de varios niveles que evoca las cuevas y los paisajes de Colombia, y el logo “Tropitour, Viajando por el Mundo” proyectado en las paredes rocosas, funcionó como telón de fondo durante toda la noche.

Cuando el reloj llegó a cero, humo y luces rojas envolvieron el escenario y, en las gradas, miles de collares LED se encendieron al unísono, formando una ola de luz que acompañaría cada cambio de tema durante el resto de la noche. Fuegos artificiales y un cuerpo de bailarinas acompañaron la aparición de Karol G, vestida con un outfit dorado cargado de brillos, entre gritos y aplausos del público. “Latina Foreva” fue el tema elegido para abrir el show, con una coreografía de perreo intenso que marcó el tono de la primera parte del concierto.

Con bailarines de torso desnudo alrededor suyo, la cantante continuó con una serie de sus canciones más populares. Durante “Un gatito ne llamó”, interrumpió la coreografía para acercarse al público: “Sorry, no puedo, es que hoy estoy en Nueva York”, gritó mientras bajaba las escaleras del escenario, visiblemente emocionada por la cantidad de gente presente.

Las luces verdes acompañaron “Oki Doki”, antes de que interpretara sola “Tá OK”, tema que en el estudio cuenta con la participación de Maluma, con un estilo de funk y perreo brasileño. Fue en ese tramo cuando lanzó una de las frases más citadas de la noche: “Hey, Nueva York, esa energía está a tope. Espero que esta noche se caiga la casa porque vinimos a cantar, vinimos a bailar, vinimos a llorar, vinimos a gritar. ¿Vinimos a pasar una chimba, sí o no?”.

Con “Qlona” de fondo, en tonos rojos y rosas, la artista destacó los atuendos brillantes del público y lanzó una pregunta a una fan que generó respuesta inmediata de las tribunas: “¿Soltera o comprometida? ¿Te pusiste linda para él o te pusiste linda PARA TI?”. El cierre de este bloque llegó con “S91”, en el que el lanzamiento de fuegos a los costados de la pasarela sorprendió al MetLife, antes de que el escenario quedara completamente a oscuras.

Tras un cambio de vestuario, la cantante reapareció con un outfit rosa cargado de joyas, brillos y plumas, además de botas también con brillos, para dar inicio al bloque de estética carnavalesca. En ese momento se proyectó por primera vez uno de los videos narrados por el actor Edward James Olmos, quien ofició de maestro de ceremonias en distintos tramos del show. Su elección no fue casual: Olmos interpretó al padre de Selena Quintanilla en la película biográfica de 1997 sobre la cantante tejana, a quien Karol G suele señalar como una de sus ídolas de toda la vida. Grabada originalmente para la apertura de la gira en Chicago, la presentación mezcló español e inglés: “Nights like this don’t happen by chance. They’re born from passion, from talento, from hard work”, arrancó el actor, para luego presentar a la protagonista de la noche como “la Reina de los Trópicos, la explosión latina” y cerrar con la idea de que, cuando suena el ritmo, toda Latinoamérica responde. “Qué noche tan linda”, agregó, “esta noche se viene a gozar”, antes de dar paso a la era Tropicoqueta.

Con bailarinas que portaban abanicos de colores, Karol G interpretó “Tropicoqueta” rodeada de un cuerpo de baile con bongós y maracas. El momento más llamativo de este segmento llegó con “Papasito”, canción que cantó desde arriba de un guacamayo gigante que apareció en el borde del escenario. Minutos después de que descendiera para acabar la coreografía con sus bailarines, bajo luces naranjas, preguntó “¿dónde están los de República Dominicana?”, el estadio explotó e interpretó en solitario “Amiga Mía”, tema de estilo bachata que en su versión original cuenta con la colombiana Greeicy.

El bloque siguiente marcó otro de los puntos altos de la noche: una plataforma emergió desde abajo del escenario con un grupo de mariachis integrado enteramente por mujeres, con sombreros, trompetas y guitarras. Antes de interpretar “Ese Hombre Es Malo”, la cantante ofreció un discurso extenso sobre el significado del álbum que incluye ese tema: “Es muy especial tocar esta canción esta noche, ya que está nominada a un Grammy. Y en realidad, cualquier nominación que haya recibido este disco significa mucho para mí, porque era un disco para honrar a mi gente, a mi música latina, a los países que he visitado, a los países que me han hecho sentir como en casa”, dijo, antes de invitar al público a cantar junto a ella y cerrar el tema a capela. La sección continuó con “Mamiii”, que interpretó junto a las mariachis sin la presencia física de Becky G, quien teloneará la segunda fecha del MetLife Stadium este viernes 18 de septiembre.

Tras una pausa, un nuevo video, esta vez grabado con la propia voz de Karol G, dio paso a la sección dedicada al álbum No Me Arrepiento de Sentir Tanto (NMADST). El monólogo, de tono reflexivo, describió el proceso de reconstrucción emocional que atraviesa una persona tras una ruptura: “Y si pudiera, lo volvería a vivir todo. Porque si el precio de haber vivido algo increíble es extrañarlo después, es un precio que vale la pena pagar. No me arrepiento de ser quien soy, de vivir la vida como la vivo, de amar como lo hago, de reír, de llorar, de disfrutar. No me arrepiento de sentir mucho. No me arrepiento de sentir tanto”, cerró la grabación, que dio título al disco y funcionó como bisagra hacia el nuevo tramo del show.

Acostada sobre una plataforma y con un cambio de vestuario a lentejuelas blancas con una remera con la leyenda del disco, la cantante interpretó “Te Llevo To’” bajo luces azules. El público se había organizado y creó un fan action, para el cual llevaron globos azules con luz blanca en su interior, en sintonía con la estética visual del álbum. Le siguió “Ahí”, tema grabado junto a Drake, cuya parte sonó pregrabada ante la ausencia del artista canadiense. “¿Y esos globitos? Se pusieron de acuerdo para traer”, se sorprendió la cantante al ver la cantidad de luces en las tribunas.

El homenaje a Selena Quintanilla llegó con “Alguien Que Te Amaba”, interpretada con un sombrero típico mexicano mientras la artista se mostraba visiblemente emocionada frente al público. En ese tramo, leyó un cartel entre la multitud e invitó a subir al escenario a una fan que sostenía el mensaje “Karol, tu música me salvó, ¿te puedo dar un abrazo?”; ambas se fundieron en un abrazo ante los aplausos del estadio. El bloque cerró con “Si Lo Ven”.

Antes de continuar, la cantante advirtió entre risas: “yo solamente les advierto que este estadio está por caerse en segundos”. Acto seguido, subió al escenario el productor puertorriqueño Tainy, seguido por Judeline y Rusowsky, quienes emergieron desde una plataforma para interpretar juntos y por primera cez en vivo “BbY Wow”, que es el N°1 en la Billboard Global 200. El cierre del tema, de corte techno, incluyó un despliegue de fuegos artificiales. “New York, ustedes son bby wow”, lanzó al público tras la actuación conjunta.

El siguiente segmento trajo un cambio radical de escenografía: con el estadio a oscuras, una plataforma con mujeres que tocaban timbales emergió del escenario. Luego, sobre aquellos instrumentos apareció Karol G, acostada y con un outfit dorado, para interpretar “Ivonny Bonita”, tema que dedicó explícitamente “para mis reinas que están acá esta noche”. Las luces cambiaron luego a tonos verdes para dar paso al clásico “Pineapple”.

La sección siguiente, con estética felina y tonos azules, incluyó la proyección de una silueta bailando sobre la pantalla principal antes de que la cantante apareciera con un vestuario plateado para interpretar “Gatúbela”, que cerró con un guiño directo al tema “Rompe” de Daddy Yankee. El público coreó por completo “Amargura”, mientras la artista se acercaba a las barreras para interactuar de cerca con los fanáticos. En “Tu Perfume”, mostró algunos de los regalos que le arrojó el público y los invitó a cantar junto a ella.

El tramo más elaborado en términos de producción llegó después: con un ritmo de inspiración egipcia y un vestuario tipo Cleopatra, la cantante se mojó por completo durante “Bandida Entrenada”, sobre un escenario que ya tenía una capa de agua y que la coreografía convertía en salpicaduras constantes. La coreografía continuó en el agua durante “Ojos Ferrari”, con fuego en distintos puntos del escenario, y escaló hacia un cierre de funk brasileño con “Noche en Medellín”, cuando los propios bailarines, con pistolas de agua, salpicaron a parte del público ubicado más cerca del escenario.

El segundo tramo narrado por Edward James Olmos, esta vez centrado en el orgullo de la identidad latina, reapareció acompañado de banderas latinoamericanas proyectadas en pantalla: “llegó la hora de celebrar de dónde venimos, a disfrutar, que suene Latinoamérica”, anunció la voz del actor. Con luces rojas y un vestuario de inspiración árabe, la cantante retomó “Bichota” en medio de un mar de banderas que el público hizo ondear desde las tribunas.

“Tusa” sonó con un arreglo de tinte más latino, mientras la artista lanzaba una consigna que generó una respuesta ensordecedora: “¿dónde están los de la izquierda, dónde están los de la derecha?”. En “Coleccionando Heridas”, con un vestuario de mangas y brillos plateados, el público coreó mano a mano con la artista, sintiendo la letra en cada estrofa. La energía se mantuvo intacta con “Si Antes Te Hubiera Conocido”, que hizo estallar por completo al estadio, y continuó con “Gucci Los Paños” y “200 Copas”.

El cierre llegó con “Provenza”, interpretada con un arreglo de corte techno que llevó al público a saltar y cantar hasta el final. Antes de que terminara la canción, Karol G levantó una bandera de Colombia en el escenario, mientras fuegos artificiales y confeti caían sobre el campo del estadio. La artista se quedó un momento junto a su banda y su cuerpo de baile antes de retirarse, con un breve regreso final para saludar a un estadio que, tras más de dos horas de show, seguía de pie.

Hay relaciones que se formaron a lo largo de este último tiempo y que están atravesando un gran presente. Sin embargo, como ocurre en el mundo de la farándula, las polémicas no tardan en aparecer, ubicando hoy en la mira a Brian Sarmiento y Danelik.

La pareja sensación del momento que se formó en Gran Hermano y que hoy sigue de la casa, incluso con convivencia incluida, hoy quedó nuevamente en la mira por las revelaciones que hizo Cata Gorostidi, ex participante de la casa.

Resulta que Gorostidi admitió y confirmó nuevamente que Sarmiento le fue infiel a Danelik con ella. Detallando cómo fueron esos encuentros, admitiendo que fueron más de uno, se lo contó todo a Charlotte Caniggia, quien no lo podía creer.

“Brian le metió los cuernos conmigo. Sí, en serio, porque cuando Brian salió de la casa, me dijo que era todo mentira lo de Danelik”, sostuvo Cata en el canal de streaming de DGO, y el fragmento se hizo viral por la reacción de Charlotte.

CATA GOROSTIDI NUEAMENTE ENVUELTA ENTRE SARMIENTO Y DANELIK

Sin poder creerlo, primero le si era de verdad lo que le estaba diciendo, y al chequearlo fehacientemente, sumó: “¿Y estuviste con Brian nena? ¡Qué estómago tenés!… por favor, ¡Qué espanto, nena! Qué te pasa, sos mi amiga y te pego”.

“Te digo, qué te pasa nena. ¿Fue una noche? ¿Estabas borracha?”, indagó Caniggia. Al revelarle Gorostidi que “no fue una noche, fueron varias”, Charlotte no pudo evitar ser tan sincera a la hora de responder: “Ay… peor, sos una pelotuda”.

Entre las risas que generó ese momento, cuando todo era carcajadas se escuchó otro comentario pero muy íntimo relacionado a Brian. “Garch… bien”, lanzaron, y una vez más Cata sostuvo que el ex futbolista de Banfield le fue infiel a Danelik.

Mey Scápola llega al estreno de A cielo abierto con la sensibilidad de quien conoce el teatro desde la infancia y la perspectiva de quien hoy también conduce una obra desde afuera de la escena. La pieza del dramaturgo inglés David Hare se estrenó en el Teatro Regio como parte del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) y continuará en cartel hasta noviembre.

A cielo abierto, con un elenco integrado por el español Luis Bermejo, Paula Reca y Felipe Saade, retrata el reencuentro entre Luis, un empresario, y Ana, una maestra, unidos por un pasado amoroso y separados por profundas diferencias ideológicas. La obra indaga en la tensión entre el deseo, las convicciones y la posibilidad de amar a quien piensa distinto En diálogo con Teleshow, Scápola habló de los límites que plantean los vínculos, su presente como actriz y directora, sus maestros y la importancia de construir equipos de trabajo.

—En “A cielo abierto” no hay villanos definidos. ¿Qué te resulta más desafiante de llevar esa ambigüedad a escena?

—Lo más interesante es que ninguno de los personajes baja línea. Los escuchás a los dos y cada uno tiene sus razones, su dolor y su manera de contar lo que vivió. Hay más víctimas que asesinos. Esa complejidad hace que la obra no se resuelva desde un lugar moral, sino desde los vínculos y las heridas que dejan.

—¿Y para vos, cuáles son los límites que no se pueden negociar en un vículo?

—Hay temas que me resultan infranqueables, como la política, la justicia social o la empatía hacia quienes son distintos a nosotros. Se puede tener una diferencia sobre cuestiones más livianas, pero hay una forma de mirar el mundo que para mí es fundamental. Me interesa pensar hasta dónde uno puede estar cerca de alguien que tiene valores muy diferentes.

—¿Qué te permite la dirección que quizá no encontrás cuando estás solamente arriba del escenario?

—Me encanta armar equipos y pensar la obra desde todos esos lugares. Es una parte del proceso que disfruto muchísimo.

—¿Qué detalle cotidiano te sirven para comprender a un personaje antes de interpretarlo o dirgirlo?

—Me gusta pensar en todo, qué lleva en la cartera, cómo se viste, qué comió, cómo se peina. Son datos que pueden parecer pequeños, pero ayudan a construir una vida. No puedo abrir una cartera en escena y que no haya nada: necesito que esos objetos cuenten algo de esa persona.

—¿Cuál fue el elogio que más te conmovió que te hayan dicho como directora?

—Que el equipo quiera ir a ensayar. Llegar al teatro y sentir que las personas la están pasando bien, que hay generosidad y ganas de trabajar juntas. El talento es indispensable, pero para mí también importa mucho que haya buenas personas y buenos compañeros. Esa es una de las cosas que más valoro.

—En un momento de menor producción de ficción, ¿cómo sostenés tu impulso como actriz?

—Hay menos trabajo como actriz, y eso se siente. Dirigir me permite seguir creando y no quedarme esperando a que suene el teléfono. Pero no siento que haya dejado de ser actriz: tengo un pie en cada lugar. La dirección me da otra posibilidad de trabajo, aunque actuar sigue siendo algo que amo profundamente.

—¿Cuándo entendiste que el teatro podía ser más que un juego de infancia?

—De chica yo vivía en el teatro por mi mamá, que además nos llevaba a ver muchas obras. También tengo recuerdos de jugar con mi hermana y amigos, de mirar las representaciones de las obras de Hugo Midón y volverme loca. En ese momento era disfrute; después se transformó en una elección y en una carrera. Mis maestros, como Agustín Alezzo y Julio Chávez, fueron muy importantes en ese camino.

—¿Qué recordás de esos años de formación con Agustín Alezzo y Julio Chávez?

—Agustín (Alezzo) fue mi primer maestro y me dio mucho amor por el teatro y curiosidad. Con Julio (Chávez) también aprendí muchísimo. Creo que esa formación alimentó una mirada de dirección que yo ya tenía incluso cuando actuaba: siempre estaba pendiente de cómo funcionaba el conjunto, de los detalles y de todo lo que acompañaba al personaje.

—¿Podés decir que no a determinados proyectos?

—Claro, no todos podemos hacer todo. Hay trabajos que no tienen que ver con una, con lo que puede dar o con la energía que puede poner ahí. Me ofrecieron varios unipersonales, por ejemplo, y no siempre sentí que fueran para mí. A veces no conecta el texto, a veces no se puede poner el alma o la creatividad en ese proyecto, y otras veces las condiciones no acompañan. A veces una se equivoca, por supuesto, pero también hay momentos en los que intuís que algo no es para vos. Poder reconocerlo es parte del trabajo.

—Además de dirigir, mencionaste proyectos recientes como actriz…

—Hice una obra con muchos actores que disfruté mucho, una película y un proyecto para Disney. También terminé de filmar una película para una plataforma, aunque todavía no puedo contar de qué se trata. Me entusiasma seguir actuando, aun cuando hoy haya menos ficción y las oportunidades sean más acotadas.

—La obra parte de una relación clandestina, pero elegiste leerla desde las diferencias profundas entre dos maneras de entender la vida. ¿Por qué?

—El autor contó que escribió la obra a partir de su interés por el mundo de los negocios y del dinero. A mí me interesó más pensarla desde los vínculos: si se puede amar o estar cerca de una persona que mira el mundo de un modo muy distinto al propio. Me parece una lectura más cercana a nuestro contexto y a las preguntas que hoy nos hacemos.

—¿Cómo te acercás a una elección que, en lo personal, no compartirías, como una relación paralela?

—Ella, el personaje de la obra, pudo hacerlo y lo cuenta con mucha naturalidad. A mí me resultaría imposible, me aburriría y no me interesa. Pero el personaje tiene su lógica y su historia. La obra no juzga a nadie: permite escuchar qué vivió cada uno y entender desde qué lugar tomó sus decisiones.

—Cuando forma un equipo para dirigir, ¿qué busca antes que nada?

—Busco talento, desde ya, pero también generosidad y buena convivencia. En esta obra pude proponer a Matías Sendón y Gonzalo Córdoba, con quienes ya había trabajado, y a Diego Steiner en la música. Me interesa rodearme de personas que tengan una mirada propia y que, a la vez, disfruten del trabajo con los demás.

—En los ensayos hay una costumbre tuya que suele llamar la atención…

—Soy muy de cuidar a mis equipos. Llevo facturas, budín o cualquier cosa para compartir porque me gusta que el ensayo sea un espacio agradable. Hay días mejores y peores, como en todos los trabajos, pero si existe un buen clima y las personas se sienten parte, eso también aparece después en el escenario.

—Con la obra ya en marcha, ¿qué esperás que le quede al público al salir del Teatro Regio?

—Me gustaría que se vaya con preguntas. Que pueda escuchar a los personajes sin buscar enseguida quién tiene razón, y que piense qué diferencias está dispuesto a aceptar en un vínculo y cuáles no. Para mí, esa conversación es el centro de “A cielo abierto”.