El segundo día de Lollapalooza Argentina 2026 será escenario de las propuestas más actuales del pop internacional con una grilla encabezada por Chappell Roan, Lewis Capaldi, Addison Rae y Paulo Londra. El Hipódromo de San Isidro en Buenos Aires espera una jornada multitudinaria en la que la diversidad, la fuerza de la música global y las trayectorias renovadas marcarán el ritmo del sábado.

La figura central del día 2 será Chappell Roan, quien destaca por su teatralidad y defensa de la diversidad. La artista, cuyo nombre es Kayleigh Rose Amstutz, oriunda de Misuri, Estados Unidos, llega a Buenos Aires con 26 años y un sello propio que combina teatralidad, cultura drag y militancia LGBTIQ+.

Su estilo mezcla el pop y aires de vodevil, evocando los inicios de Lady Gaga o el histrionismo de Katy Perry. Chappell Roan irrumpió en la escena mundial tras el lanzamiento del álbum “The Rise and Fall of a Midwest Princess” en 2023.

Canciones como “Hot to Go!”, “Red Wine Supernova” y especialmente “Good Luck, Babe!” han catapultado su popularidad, logrando más de 1.500 millones de reproducciones en Spotify. Hace solo cinco años, Roan trabajaba en una tienda de dónuts, pero su ascenso fue fulgurante.

En febrero de 2026, recibió el premio artista revelación en los Premios Grammy, y suma actuaciones en festivales internacionales como Coachella, Governors Ball y Lollapalooza entre otros, ratificando su alcance global y su compromiso con una nueva forma de entender el pop.

El sábado también marca el debut de Lewis Capaldi como uno de los actos principales del festival. A sus 28 años, el cantante escocés ha consolidado una carrera centrada en baladas profundas y una voz reconocible.

El éxito de “Someone You Loved” en 2018 supuso un giro en su trayectoria y lo instaló en el centro del pop contemporáneo. Antes de la fama, Capaldi actuaba en pequeñas salas del Reino Unido, construyendo su perfil musical a través de la autenticidad y la perseverancia.

Un episodio decisivo fue el síndrome de Tourette, motivo de una pausa de dos años en su carrera, seguida de un aplaudido regreso en la edición 2025 de Glastonbury. Su capacidad de conectar con el público se refleja en las cifras: Capaldi ha cosechado 35.000 millones de reproducciones a nivel mundial.

Addison Rae personifica el tránsito de la popularidad en redes al escenario musical global. Comenzó a ganar notoriedad en 2019 con sus vídeos de baile en TikTok, donde llegó a ubicarse entre las personalidades más seguidas.

Su inicio musical con “Obsessed” en 2021 no alcanzó la repercusión esperada, pero Rae fortaleció su proceso artístico a través de colaboraciones como la realizada junto a Charli XCX en el EP “AR” de 2023. En 2024, presentó su álbum debut “Addison”, abrazando sonidos hyperpop y una nueva madurez como artista.

Tiempo después, la industria de la música reconoció este trabajo, y llegó la nominación a Mejor Artista Nuevo en los Premios Grammy 2026. Después de su aclamado paso por el festival de Viña del Mar, Addison Rae llega al Hipódromo de San Isidro con un espectáculo que reafirma su transformación de fenómeno digital a referente del pop contemporáneo.

La participación de estas tres figuras en Lollapalooza Argentina 2026 subraya la apuesta del festival por nuevos referentes y transformaciones en la música pop, manteniendo vigentes la diversidad, el talento y la energía que definen a este gran encuentro internacional.

Más allá de los artistas internacionales, otra de las figuras que pisa fuerte en Lollapalooza es Paulo Londra. Tras su exitoso paso por el festival de Viña del Mar, el cordobés cuenta las horas para sumar un nuevo hito a su carrera. El artista destaca como el único headliner argentino de la épica edición de Lollapalooza 2026. En ese contexto, el artista abrió exclusivamente las puertas de su ensayo a Teleshow, para mostrar cómo se prepara para el gran día.

“Mi gente de Infobae, vengan a ver los ensayos desde adentro. El Paulo de 2019 era más volado, improvisaba mucho. El de ahora tiene algunos pasos ya planeados. Nos vemos mañana, mi gente. Va a ser un show zarpado, así que te espero allá”, afirmó el cordobés, refiriéndose a su evolución personal a lo largo de los años. El intérprete de “Adán y Eva” se presentará este sábado en el escenario Samsung Stage a las 19 y compartirá line up con figuras como Soledad, Addison Rae, Lewis Capaldi y Chappell Roan.

Días atrás, el nacimiento de Justina, la tercera hija de Paulo Londra, marcó un nuevo punto de inflexión en la vida del artista argentino. En el mismo periodo, el cantante comunicó un cambio radical: dejó el alcohol y el tabaco, presentando esta decisión como el inicio de una nueva etapa personal y profesional junto a Martina Quetglas.

Dentro del enorme catálogo de Netflix siempre aparecen producciones que sorprenden al público, y una de las que empezó a generar ruido entre los usuarios es Esa noche. Se trata de una miniserie intensa, corta y perfecta para maratonear en un fin de semana, gracias a una historia que combina drama, misterio y crimen.

La trama arranca con un hecho inesperado que cambia todo. Durante unas vacaciones en República Dominicana, Elena, una joven madre soltera, atropella accidentalmente a un hombre con su auto. Desesperada y sin saber qué hacer, decide llamar a sus hermanas para pedir ayuda, lo que desencadena una cadena de decisiones cada vez más complicadas.

Lo que parecía un accidente termina convirtiéndose en una pesadilla. A medida que intentan proteger a Elena, las hermanas empiezan a involucrarse en un secreto que podría destruir sus vidas y su relación familiar. La serie plantea una pregunta central: ¿hasta dónde es capaz de llegar alguien para proteger a su familia?

La producción de Netflix mezcla thriller psicológico con drama familiar, lo que genera una tensión constante a lo largo de los episodios. Los secretos, las mentiras y las decisiones desesperadas hacen que cada capítulo deje nuevas dudas y mantenga al espectador pendiente de lo que ocurrirá después.

NETFLIX Y UNA MINISERIE QUE DEJA HUELLA

El elenco está encabezado por Clara Galle, acompañada por Claudia Salas y Paula Usero, quienes interpretan a las hermanas protagonistas de esta historia marcada por el miedo y la culpa. A ellas se suman actores como Pedro Casablanc y Nüll García, completando un reparto que potencia el drama de la trama.

Uno de los puntos fuertes de la serie es su ritmo narrativo. Cada episodio va revelando nuevas piezas del rompecabezas y profundiza en los vínculos entre las protagonistas, mostrando cómo un hecho aparentemente accidental puede desencadenar consecuencias imprevisibles.

Con misterio, tensión y un fuerte componente emocional, Esa noche se perfila como una de esas miniseries ideales para ver de un tirón. Una historia corta, intensa y llena de giros que demuestra por qué este tipo de ficciones siguen ganando terreno entre los suscriptores de Netflix.

El estreno de la nueva obra de teatro de Gustavo Garzón -este domingo 15 de marzo en la sala Nün-introduce una dinámica inusual para el circuito independiente argentino. Según ha detallado el actor y guionista a Teleshow, el espectáculo está planteado como una producción de carácter experimental y cinematográfica. Con una trama que sigue la transformación emocional de un hombre de setenta años enfrentando el enamoramiento por primera vez, el texto de “Un hombre solo, es demasiado para un hombre solo” busca interpelar a la audiencia.

Garzón, en una charla con Teleshow, enfatizó su vínculo personal con la escritura y el deseo de trasladar al público la experiencia dramática a territorios menos centrales de la escena, ampliando así el alcance habitual del teatro de autor.

La pieza es singular en su modelo de distribución porque, a diferencia de otras propuestas surgidas en el teatro local—habitualmente ancladas a una única sala—, Garzón confirmó la intención de desplazar el montaje hasta ciudades y pueblos de todo el país.

El actor explica minuciosamente que el eje dramático explora la vulnerabilidad y las consecuencias emocionales de un amor tardío, incluyendo un giro en la vida del protagonista que desencadena decisiones inesperadas. Saborea cada palabra, cada pausa y el sentimiento que lo llevó a volver a escribir. Además, subrayó el componente autobiográfico y el involucramiento personal en cada etapa del proceso creativo, reafirmando el valor de la escritura como motor transformador y como herramienta para ampliar los públicos del teatro contemporáneo.

La producción apuesta a giras constituyen no solo un movimiento artístico, sino también una decisión de industria que busca instalar nuevas formas de acercamiento entre creadores y audiencias, y consolidar el circuito independiente como fuerza activa en la renovación de las artes escénicas nacionales.

—¿Por qué el título “Para un hombre solo, es demasiado para un hobre solo”?

—Básicamente porque hay un punto en que la obra habla de la soledad, de la soledad del hombre, no el de la soledad física, sino de un tema más profundo, la de haber vivido instancias de ese sentimento de chico. Básicamente es una obra que habla del amor. Es una historia de un hombre que a los setenta años se enamora por primera vez en su vida.

—¿Nunca había estado enamorado?

—No, se da cuenta ahí, cuando se enamora, que nunca lo había estado. Es un personaje que no conoció el amor en su hogar materno o paterno. Entonces, desconoce lo que es. Y cuando siente esa ráfaga, ese rayo que lo parte de amor, lo desestabiliza emocionalmente por completo y pierde un poco la razón y empieza a tomar decisiones que no son las correctas.

—¿La diferencia de edad entre los personajes es importante en la obra?

—Claro porque se enamora de una chica muy joven, que tiene la mitad de años que él, tiene treinta y cinco años.

—¿La obra está escrita por vos?

—Sí, además colaboró mucho en todo el proceso de escritura y desde el principio la directora, que es Julia Morgado. Si bien la obra es mía, ella supo ayudarme a sacar lo que estaba de más, a darle teatralidad.

—¿Qué personajes interpreta la actriz?

—Victoria Baldomir interpreta a la psicóloga, la mujer y la amada. Los tres los hace la misma actriz, pero ella entra y sale y yo sostengo toda la obra con lo que va ocurriendo y con relatos del pasado del personaje al público. Es un ir y venir permanente del pasado al presente, todo el tiempo. Son treinta y cinco escenas en una hora, así que es un relato muy cinematográfico.

—¿La obra tiene algo de autobiográfico?

—Sí, tiene que ver con mucho mío. Es más, lo que pasa está ficcionado. Yo te diría que hay una parte muy mía y otra parte muy parecida a mí. A cosas que yo viví, pero están deformadas. A mí no me ocurrió eso que le ocurre al personaje, pero sí sé lo que es la irrupción del amor. Además, el personaje va contando cómo todos los hechos de la infancia en relación al amor, al sexo.

—¿Cómo se aborda el tema del sexo?

—No hay sexo en escena, pero se habla del sexo, de la parte sexual del personaje, las contrariedades, los logros, los fracasos.

—¿La infancia determina a tu personaje?

—Muestra cómo la infancia le afecta a los setenta años, cómo determina la historia de cada uno, lo que vive a lo largo de toda la vida, que uno puede cambiar algo, pero no puede cambiar toda su historia, la tiene que aceptar y avanzar con eso.

—¿Cómo definís el género de la obra?

—Es un falso biodrama porque mi personaje es Joaquín V. González, el bisnieto de V. González. Es un escritor, que quiere ser como su ídolo y no puede escribir. Entonces va una profesora de literatura, lo invita a hacer un diario, su diario íntimo. Y ahí empieza a contar todo lo que está viviendo, que precisamente lo vive con su profesora.

—¿Hay algún punto de contacto con alguna historia de amor tuya?

—Podría ser la mía o la de cualquiera. No me es lejana. Es muy reconocible la chica que se enamora del profesor. Después lo reencuentra el profesor ya grande, pero le quedan resabios de eso que le pasó y quiere probar.

—¿Por qué decidiste escribir esta obra?

—Primero porque me gusta mucho escribir y la escritura es algo muy necesario para mí, el tener un proyecto propio. Yo escribí desde los cuarenta a los sesenta años sin parar. Escribí para televisión, Señoras y señores, Casa Natal. Después escribí mi ópera prima de cine, que fue Por un tiempo. Hice tres documentales, que también hay algo de escritura, pero no podía volver a escribir. Adapté obras de teatro y de pronto me paralicé y no pude escribir más. Estuve diez años sin poder escribir.

—¿Por qué?

—No podía, porque solo podía escribir de una sola cosa, que era de lo que me pasaba. Lo que me estaba pasando. No podía. Pero sabía que no podía hacer otra cosa. Es un poco lo que le pasa al personaje. No quiere escribir, pero tampoco puede crear nada porque está paralizado. En un momento yo sentía que tenía mucho para decir respecto del amor, que quería hablar de eso.

—¿Habías hablado antes sobre el amor en tus obras?

—No, nunca. Lo necesité. Por ciertas peripecias que yo viví, me parecía que había ahí cosas para contar y también para saber más de mí mismo, de por qué me pasaron las cosas que pasaron. Con los altibajos del amor. Las subidas, las caídas y que si no estás muy bien parado, tanto las subidas como las caídas te pueden llevar a lugares muy irreales y peligrosos. De la diferencia entre lo que es amar y lo que es estar enamorado.

—¿Estás contento con el resultado?

—Sí, muy satisfecho. La verdad que era una obra muy difícil de teatralizar, porque las palabras yo las tenía. Estuve mucho tiempo. Esto de estar desocupado un tiempo largo me permitió concentrarme mucho en la escritura, escribir cuando estaba para escribir, descansar cuando no estaba para escribir. Corregir y corregir. La sigo corrigiendo. Soy muy detallista y muy obsesivo con lo que hago. Y más con lo que escribo, con lo que actúo también. Me gusta si hago algo, sacar lo mejor de mí, no guardarme nada.

—¿Cómo vivis la situación de los actores en el último tiempo?

—Desde que hice La madre, en julio del año pasado, no recibí ni un llamado de nada. Es que no hay nada. Yo no estaba acostumbrado. Hacía dos películas por año, no paraba. Nunca me faltó. Cuando había televisión, no parabas de televisión. Ahora no hay más. Entre el cine…teatro, hice toda la vida, pero con eso no siempre uno se arregla. Tenés que hacer más. Ahora no hay cine, hay series, hay dos o tres. Tampoco la edad colabora mucho.

—¿Cómo afecta la situación del sector?

—Estamos viviendo la peor de las desgracias, te diría. Estamos en riesgo. Pero toda desgracia tiene un beneficio secundario. El beneficio que yo tuve es que tuve un tiempo que nunca tuve. Todo lo hice siempre luchando contra el tiempo. Ahora siento que puedo disfrutar de este tiempo, aunque me estoy gastando los ahorros. Pero por lo menos hago algo creativo que me hace bien, que me ilusiona, que me divierte, que lo tomo como un desafío personal. Es el beneficio secundario de la desocupación.

—¿Cómo ves la visibilidad de los actores en la actualidad?

—Veo a los actores, veo las redes, la inteligencia artificial, así y todo. No ve uno más un actor, los actores no están más en las entrevistas. Hemos perdido visibilidad completamente. Hemos sido desplazados por otro tipo de gente en las pantallas. Te diría que el ochenta por ciento del gremio está desocupado. Y no te exagero. De los actores que siempre han trabajado, debe estar trabajando el veinte por ciento.

—Impacta, inevitablemente…

—Yo hablo de mi sector, de los actores, pero eso implica a mucha gente. La gente del cine está toda desocupada. Gente que dedicó cuarenta años al cine, que estudió cine, que vivió para el cine, ahora están desesperados buscando de qué pueden dar una clase, reinventándose como pueden, viviendo que cada vez peor. Es lamentable. Creo que inmerecido también, porque nosotros no le hacemos mal a nadie. Es un trabajo noble, que la Argentina lo supo construir y con orgullo.

Fotos: Jaime Olivos