La emotiva presentación de Lorenzo Fiorotto, un niño cantante de 13 años, en el último programa de Es mi sueño (El Trece) conmovió al público y al jurado, al punto de hacer llorar a Abel Pintos, autor de “Sin principio ni final”. Lorenzo interpretó dicha canción ante el jurado durante una noche que quedó marcada como uno de los momentos más intensos del ciclo.

El bahiense se emocionó hasta las lágrimas al escuchar a Lorenzo Fiorotto cantar su tema con una voz delicada y genuina. El niño expresó su deseo de cantar para ayudar a otros, en vez de buscar la fama, lo que generó admiración tanto en los integrantes del jurado como en el conductor Guido Kaczka y todos los espectadores.

Lorenzo Fiorotto, originario de Gualeguaychú, subió al escenario en un combo de emociones mezcladas. “Me siento nervioso y contento”, admitió antes de iniciar su participación. Además de Pintos, el jurado lo integran La Mona Jiménez, Jimena Barón y Joaquín Levinton.

Al finalizar la interpretación, el jurado elogió de inmediato al joven cantante. El cantante de Turf bromeó: “Yo, si fuera Abel, estaría preocupado por su trabajo”, en referencia al talento de Lorenzo.

Pero Pintos no hizo caso a la broma de su colega e invitó a Lorenzo al escenario, generando el momento cúlmine del programa cuando cantaron juntos. Luego, el artista se mostró visiblemente conmovido al escuchar el sueño del joven: “En realidad, a mí no me interesa ser famoso. Lo que me gustaría de grande es cantar a beneficio de chicos necesitados y ayudar a la gente”, dijo Lorenzo frente al jurado.

La humildad y el espíritu solidario del sueño de Lorenzo generaron una oleada de empatía entre los presentes. El niño decidió anteponer la ayuda a los demás al reconocimiento personal, transmitiendo un mensaje de generosidad poco habitual para su edad.

La historia de Lorenzo Fiorotto trascendió el estudio y, en poco tiempo, se viralizó en redes sociales. Usuarios compartieron videos y mensajes sobre el gesto del joven, quien se convirtió en un símbolo de inspiración y solidaridad entre los televidentes.

Miles de personas destacaron en la web la autenticidad de la actuación y la emoción de sus protagonistas. Este episodio se consolidó como uno de los más recordados de la edición, colocando a Lorenzo como ejemplo de altruismo infantil y vocación artística.

La presencia de Lorenzo y su mensaje solidario dejaron una marca especial en el programa. El cierre de la noche estuvo protagonizado por el reconocimiento de Abel Pintos, quien resaltó la ternura y el talento precoz del joven, sellando así un momento inolvidable para la audiencia.

El estreno de Es mi sueño, el nuevo reality musical conducido por Guido Kaczka en El Trece, se consolidó como el segundo programa más visto de la televisión argentina al registrar 7 puntos de rating en su debut. El ciclo capitalizó la expectativa generada por el regreso de Kaczka al horario central al superar el piso de 4,9 puntos heredado de Telenoche y dotar al canal de un incremento inmediato en su audiencia nocturna.

El debut se produjo durante una competencia frontal con MasterChef Celebrity de Telefe, que lideró el prime time con un pico de 16 puntos a las 22.26, momento en el que se produjeron dos eliminaciones en vivo. Si bien la diferencia entre ambos proyectos resultó amplia, la nueva apuesta de El Trece logró estabilizarse en la frontera de los 7 a 8 puntos a lo largo de la emisión, alcanzando su máximo a las 22.37 con 8 puntos de rating, cifra que representó el techo de audiencia para el canal en esa franja.

La performance de Es mi sueño delineó un escenario en el que El Trece recuperó tracción en el prime time y estableció un dato verificable para la industria: el formato musical, con más de 200 participantes en carrera y un jurado compuesto por Abel Pintos, La Mona Jiménez, Jimena Barón, Joaquín Levinton y el internacional Carlos Baute, logró retener y ampliar la audiencia cedida tras el noticiero central.

Durante años, Luis Miguel fue extremadamente reservado con su vida privada, especialmente cuando se trata de sus hijos. Sin embargo, en las últimas horas comenzaron a circular imágenes que generaron un verdadero revuelo entre los fanáticos: se filtraron fotos actuales de Miguel Gallego Arámbula, el hijo mayor que tuvo con la actriz Aracely Arámbula.

Las imágenes fueron difundidas por el programa mexicano Ventaneando y rápidamente se viralizaron en redes sociales. En ellas se puede ver al joven de 19 años caminando por un aeropuerto, en una aparición pública poco habitual, ya que su madre siempre se ocupó de mantener a sus hijos alejados de la exposición mediática.

El impacto fue inmediato. Muchos seguidores del cantante no tardaron en notar el gran parecido físico entre Miguel y su famoso padre, especialmente en los rasgos del rostro y la expresión. Algunos incluso aseguraron que el joven recuerda al Luis Miguel de sus años de juventud, cuando se consolidó como uno de los artistas más importantes de la música latina.

Otros usuarios, en cambio, señalaron que también heredó varios rasgos de su madre. Lo cierto es que la aparición pública del joven despertó curiosidad y abrió el debate entre los fanáticos: ¿se parece más a su padre o a su madre?

Miguel es el primero de los dos hijos que el cantante tuvo con Aracely Arámbula. El segundo se llama Daniel Gallego Arámbula, nacido en 2008. Ambos crecieron lejos del foco mediático, bajo el cuidado de su madre, quien siempre defendió su derecho a una infancia y adolescencia lo más normal posible.

De hecho, durante años la actriz evitó mostrar sus rostros en redes sociales o en apariciones públicas. Por eso, las fotos difundidas recientemente generaron tanto impacto entre los seguidores del artista, que no estaban acostumbrados a ver a los jóvenes.

Además de Miguel y Daniel, el intérprete también es padre de Michelle Salas, nacida en 1989 fruto de su relación con la actriz y cantante Stephanie Salas. Michelle, a diferencia de sus hermanos menores, sí mantiene una vida pública: es modelo e influencer y suele compartir momentos de su vida en redes sociales.

Mientras tanto, el reciente descubrimiento de la apariencia actual de Miguel Gallego Arámbula volvió a poner el foco en la vida personal del “Sol de México”. A pesar de que el joven mantiene un perfil bajo y no se dedica al mundo artístico, su apellido y su parecido con el cantante bastaron para que sus fotos se convirtieran en tema de conversación entre los fans.

Por ahora, ni Luis Miguel ni Aracely Arámbula se pronunciaron sobre la difusión de las imágenes. Pero una cosa quedó clara: el hijo del famoso cantante ya creció y su parecido con el artista no pasó desapercibido para nadie.

27 años atrás, Jorge Drexler experimentaba uno de los capítulos más importantes de su vida, la llegada de su primer hijo. En simultáneo, el uruguayo lanzaba su disco Frontera, el cual grabó en su tierra natal, dando inicio a una nueva etapa de su camino. Casi tres décadas después, el artista volvió a sentir la necesidad de reconectarse con sus raíces. Y no es casualidad. Nuevamente, la vida lo llevó a recorrer otro sendero tras la muerte de su padre y el cambio del estatus familiar.

Todos estos sentimientos se traducen en su nuevo álbum, Taracá. El mismo tiene al candombe uruguayo como hilo conductor y transversal del disco. A lo largo de su recorrido, Drexler presenta once canciones, las cuales brindan una experiencia sonora con la letra y el tambor como principales protagonistas en la mayoría de los temas. Como si fuera poco, Jorge también se dio el lujo de cumplir uno de sus anhelos, colaborar con Young Miko, a quien logró sumar a su proyecto tras su visita a Puerto Rico en la residencia de Bad Bunny.

En diálogo con Teleshow, el artista desanda las claves de su nuevo disco. Es justamente, a través de la música, que el cantante comprende qué lo impulsó a reconectar con su país en esta etapa de su vida y las vivencias que lo llevaron a plasmar sus sentimientos en 11 canciones.

En los primeros minutos de la charla, Drexler habla sobre el primer adelanto que le presentó a su público, “Tocar madera”. En un juego de palabras, el uruguayo relata los significados que tiene y, con humor, explica en qué situaciones recurre a la superstición de tocar madera: “Tiene dos acepciones que se explican al principio del videoclip. Primero el de la superstición, de intentar evitar que se tuerza el destino, que eso está muy extendido en todo el mundo. Yo pensé que era solo en Uruguay y después en España pensaban que era solo en España, en Argentina piensan que solo en Argentina, pero es anglosajón también, ‘touch wood’. Y en el candombe, tocar madera es llevar la clave en el costado del tambor. Pegar en la madera. Por eso esa canción está basada en esa clave. Y, personalmente, toco madera ante la expresión de algo bueno, que tenés miedo que, por decirlo, lo arruines”.

– ¿Cómo trabajaste la composición de este disco?

– El disco está muy vertebrado por la percusión. Concretamente, tiene una presencia muy grande del candombe, que es el ritmo afrouruguayo por excelencia. Y Taraca es una onomatopeya que refiere a la figura del tambor chico, que es uno de los tres tambores del candombe. Me encantó esa posibilidad de tener un título todo con la vocal A, que es la vocal más abierta, la más espontánea, el aire sale sin resistencia, la vocal del dolor, la del placer. Y el hecho de que Taraca es nuestra manera de decir ‘estar aquí’, acá se usa el acá. Entonces, el acortamiento, la aféresis de en vez de estar decir tar acá, toy acá.

– También es un regreso a tus raíces…

– Sí, de alguna manera también, una necesidad de reconectar con Uruguay, por diferentes motivos, pero definitivamente es una reconexión con mi país.

– ¿Por qué sentiste esa necesidad y cuándo te agarró?

– Los discos los veo muchas veces cuando ya pasaron. Y me di cuenta hoy concretamente que esto que me pasó en Taracá me pasó también en el disco Frontera y me preguntaba qué tenían en común. Y los dos discos, tanto Frontera del año 99 como Taracá ahora del 2026, son discos en los que uno cambia la bisagra de estatus familiar. En Frontera uno nace y es hijo hasta determinada época de la vida. Y después llega un momento en que tus padres se van y seguís siendo padre, pero dejaste de ser hijo. En la primera bisagra de esas, cuando pasé a ser padre, además de hijo, volví a grabar Uruguay. Y cuando pasé a ser solo hijo, volví a grabar de vuelta Uruguay, ahora en el 2026. Se ve que esos cambios de estatus familiar a mí me remueven y me llevaron instintivamente a reconectar con un territorio, sentirme en casa.

– ¿Cómo transitaste la partida de tu padre?

– Mi hijo mayor tiene 28 y mi hija menor tiene 14. Lo nuevo para mí es dejar de ser hijo, que es sentir que sos el primero en la línea hacia el horizonte. Podía haber tenido dos reacciones. Podía sentir que tenía que asumir el rol del mayor de la familia. Te puede dar un golpe de responsabilidad, como decir “voy a dejarme ya de bobadas, voy a ir a lo seguro”. O, como me pasó, me dieron ganas de innovar, de trabajar con gente más joven, de arriesgar, de jugarme el pellejo. El productor más joven de este disco empezó a trabajar conmigo con veintiún años, Tadu. Ahora tiene 22. Y el productor más viejo de este disco tiene 32 años.

– ¿Cómo recordás tu infancia en Uruguay?

– Ahora, para uno de los videoclips que vamos a sacar, está basado en imágenes de una filmadora de Súper 8 que tenía mi padre, que filmó toda nuestra infancia. Y viéndolo a la distancia me di cuenta que tuve una infancia con dos polos opuestos, de sensaciones. Por un lado, a nivel doméstico, muchísimo amor. Una infancia muy feliz en lo que respecta de puertas para adentro de la casa y de puertas para afuera de muchísimo miedo. Nos criamos en dictadura. Se vivía con muchísimo miedo fuera. Y adentro de casa intentábamos compensar eso.

– ¿Cuál es la mayor lección de vida de tus padres?

– Viendo estas imágenes de Súper 8 me di cuenta del amor que había en la lente de la persona que nos miraba, que era mi padre. Me di cuenta que estaba filmado con amor. La lección de vida más grande de mis padres es haber roto las barreras de origen, o sea, tenían dos visiones políticas, dos nacionalidades, dos religiones diferentes y haber creado una familia a pesar de eso. Me enseñaron el puente entre cosas. Me enseñaron a hacer compatibles cosas aparentemente antagónicas. Eso, en un mundo polarizado, es un tesoro. Me crié en una familia integradora y este mundo ahora es un mundo desintegrador

.– ¿Qué rituales tenés al momento de cantar en un show?

– Tengo algunos, pero no muchos. No soy particularmente supersticioso. Había una época en que tomaba una medida y media de ron antes de salir a cantar. Dos era demasiado y una me parecía poco. (risas).

– ¿Y la seguís manteniendo?

– Ahora hace mucho que no hago conciertos, pero supongo que la mantendré, sí. Igual es mucho una medida y media, pero igual lo bajo a una después. Tenés que saber beber, relacionarte con el alcohol. A mí me gusta mucho un concepto que tenía mi maestro Antonio Escohotado, que era el concepto de la sobria ebriedad. De mantener un punto de sobriedad en lo que hacés. Pero el escenario tensa mucho y un poquitito de ayuda no me viene mal, la verdad.

– En tu vida personal, ¿te gusta tomar algún fin de semana, una reunión con amigos?

– ¿Me estás preguntando si soy alcohólico? (risas) Es una buena pregunta que no sabría responderte. Vivo en España, donde el vino es parte integral, no solo de las reuniones sociales, sino del almuerzo y de la cena. Las cañas, la cerveza, el vino están integrados en la vida social. En este momento intento no tomar alcohol entre semana y los fines de semana me tomo unos vinos con los amigos. El vino me hace muy feliz, es un complemento importante en mi vida.

– Jorge, en tu trayectoria has tenido crossovers impresionantes, con C. Tangana, con Bhavi…

– Y ahora con Young Miko, que nadie se la esperaba. Estoy muy feliz de esa colaboración y de la de Bhavi especialmente también. La de Mateo Sujatovich también. Pero la de Bhavi, además de la admiración, es que realmente es un campo diferente. Y fue arriesgado tanto para él como para mí. Fuimos muy valientes metiéndonos ahí. Estoy tan contento de lo que aprendí en “Me desperté”. Fue realmente un aprendizaje musical de flow muy intenso y él fue mi profesor directo. Con Bhavi nos decimos sensei el uno al otro todo el tiempo.

– Además el hecho de cantar con autotune, que no sé cuántas veces lo has utilizado.

– El autotune me parece una herramienta tan peligrosa como todas las demás, y tan útil, igual que el reverb o el ecualizador o la distorsión en la guitarra eléctrica. Puedes hacer un desastre con eso. Hay que saber cantar con autotune. Requiere una técnica. La gente que piensa que simplemente te lo ponen y te hacen afinar bien, no. Yo no tengo formación, no se nota tanto cuando canto con autotune. Primero porque afino bastante bien, pero además, porque la gente que canta con autotune arrastra para que se note el arrastre y eso es parte del estilo, son estéticas.

– Siempre hay gente que lo critica…

– El otro día leí una cosa que me encantó, que era cuando se pasa de la vihuela a la guitarra, la guitarra era más sencilla de tocar y se tocaba rasgando. Los tipos que eran hinchas de la vihuela, que era más complicada y más dulce, decían: “Ahora cualquier mozo de cuadra percute una guitarra y puede cantar canciones”, como diciendo, la vihuela había que tañirla con los dedos, era más arpejada. Era exactamente el mismo tipo de crítica que se le hace a autotune hoy en día. Yo quiero escribir esa canción del autotune y el pasaje de la vihuela a la guitarra. Hoy en día la guitarra es considerada un instrumento clásico, pero en su momento era considerado una especie de bastardización de un instrumento superior, que era la vihuela. Son instrumentos. Vos hacés con la guitarra lo que quieras. El autotune es un instrumento.

– Hablando de Young Miko, ¿cómo fue esa colaboración con la puertorriqueña?

– Yo soy muy fan de Miko hace mucho tiempo. Es un talento enorme Miko, y tiene sobre todo una cosa que para mí es imprescindible y que en Puerto Rico la tienen manejadísima, tiene flow. Tiene musicalidad, tiene baile en la voz, tiene una elegancia para rapear y para cantar. Yo quería rapear con ella, quería hacer un reggaetón de su mundo, pero ella quiso cantar y me pareció un acto tan bonito.

– ¿Habías escuchado la Bizarrap Session o cómo fue el primer acercamiento?

– No, mucho antes la conozco a Miko. La conozco desde que empezó. Le escribí por Instagram hace tres, cuatro años ya. Y nos intercambiamos mensajes. Y quedamos de ir a Puerto Rico. Fui a ver el show de Bad Bunny y le avisé. Y en el estudio me dijo: “Yo quiero cantar”. Le digo: “Bueno, tengo, tengo una canción sin terminar”. Y la saqué, “Te llevo tatuada”, y la terminamos ahí.

– ¿Cómo fue tu experiencia en La Casita de Bad Bunny? ¿Te gustó?

– Te voy a ser muy sincero. Me sentí enormemente honrado de que me invitaran a La Casita. Me trataron como un rey. Pero en La Casita también lo que me di cuenta es que hay una peligrosísima combinación de barra libre y 600 teléfonos móviles apuntando hacia vos. En un momento determinado dije: “Cuidado”, cuidado con bostezar. Cuidado dónde pones los ojos, cuidado con cómo bailas, me sentí muy expuesto. Yo no sé cómo lo vive la gente que está en La Casita. Supongo que hay gente que no le importa estar expuesto. Soy muy fan de él y muy amigo de mucha gente que me invitó a La Casita. Pero en un momento me fui para adentro porque me agobié un poco, era como estar en un escenario que no es el tuyo y con muchísimos figurantes perreando y bailando alrededor tuyo y tú con tu copa contra la pared, quieto, intentando no rellenar la copa de vuelta y el show me pareció increíble.

– Hay un punto que los une, vos en los Óscar tuviste la primera nominación de una canción en español. Y después él hace poco ganó el Grammy mejor álbum con un disco en español.

– Todo el mundo me está haciendo ese paralelismo y me siento muy honrado con él (risas). Me siento muy contento. Te voy a decir gracias. Sí, en su momento fue muy inesperado lo que me pasó también y fue muy bonito que pasara y cantar en español en los Óscar. Yo salir ahí y cantar dos versos, aunque sea, no es la Super Bowl, pero son los Óscar (risas).