Solo alrededor del 2% de la población mundial tiene los ojos verdes, a diferencia de otros colores más comunes, como el marrón o el azul. Este tono siempre llamó la atención por su rareza y su apariencia única, lo que los convierte en uno de los rasgos más poco frecuentes.

Lo que muchos no saben es que este color no responde a un pigmento específico, como suele creerse. En realidad, los ojos verdes se forman por una combinación de factores biológicos y genéticos que influyen en la manera en que la luz interactúa con el iris. Es decir, no es solo cuestión de herencia directa, sino también de cómo se distribuye la melanina en el ojo.

A diferencia de los ojos marrones, que tienen una alta concentración de melanina, o los azules, que tienen muy poca, los ojos verdes se ubican en un punto intermedio. Esta cantidad moderada de pigmento, sumada a un fenómeno óptico conocido como dispersión de la luz, genera ese tono verdoso que puede variar entre más claro o más oscuro según la persona.

Además, la genética detrás de este rasgo es más compleja de lo que parece. No depende de un solo gen, sino de la interacción de varios, lo que hace que sea menos probable que se herede. Por eso, incluso si ambos padres tienen ojos claros, no siempre se transmite este color en particular.

Por qué los ojos verdes son tan raros y cómo se forman

• Se originan por una cantidad intermedia de melanina en el iris
• No existe un pigmento verde: el color es un efecto óptico
• Dependen de múltiples genes, lo que dificulta su herencia directa
• La luz influye en cómo se percibe el tono, que puede variar
• Son más frecuentes en algunas regiones de Europa

Aunque muchas veces se los asocia con algo misterioso o especial, los ojos verdes tienen una explicación completamente científica. Su rareza se debe a una combinación poco común de genética y física, lo que los convierte en un rasgo tan singular como fascinante dentro de la diversidad humana.

A lo largo de los años, la figura de Gonzalo Heredia fue una presencia constante tanto en la pantalla chica como en los teatros de la Avenida Corrientes, apostando siempre por personajes diametralmente distintos en cada desafío. Su carrera lo llevó a construir una versatilidad actoral que lo convirtió en uno de los referentes de su generación, capaz de transitar desde la televisión masiva a proyectos teatrales de búsqueda más íntima y personal.

En su nueva apuesta teatral, Heredia protagoniza, junto a Eleonora Wexler, El estado de la unión, una obra en la que no solo asume el rol principal, sino que también aceptó el desafío de adaptar el texto original de Nick Hornby. Esta doble tarea le permitió poner en juego su mirada sobre los vínculos largos, la crisis de los cuarenta y el amor en tiempos donde todo parece fugaz.

Esta obra llegó a la vida del actor de manera tan casual que parecía destinado a llevarla adelante arriba de las tablas. Invitado a una cena, no pudo contener la curiosidad de analizar la biblioteca del dueño de casa y fue allí cuando vio la obra de Nick Hornby, un escritor que ya lo había cautivado en más de una ocasión. Lo mismo le sucedió con El Estado de la Unión: Un matrimonio en diez partes: el flechazo fue instantáneo, al punto de que aseguró que “lo leí en dos o tres días y me gustó la historia”. Fue así que este proyecto comenzó a tomar forma poco a poco, encontrando en cada paso nuevas razones para concretarse en el escenario.

—Hiciste la adaptación ¿Cómo fue ese proceso de sentarse a escribirla y luego protagonizar?

—Ya he tenido una experiencia. Yo había escrito una obra de teatro, la primera obra que escribí, que se llamó Cómo provocar un incendio, que fue mucho más tedioso en el sentido de que la historia no existía, la escribí en un año y medio, y eso fue un poco más tedioso y desgastante, porque al no haber adaptación sino que era un texto original. Eso sí fue un trabajo arduo. Este texto de Nick Hornby ya entraba como en otro lado, un poco más relajado en ese sentido, era algo más ameno, más cercano también, porque es una historia que a mí me interpela por completo, son dos personajes que hace mucho tiempo están en pareja y que tienen hijos en común y que llega un momento en sus vidas en donde se replantean un poco cómo continuar con todos los interrogantes que uno puede tener después de los cuarenta años o que somos esa generación que estamos criando hijos e hijas y cómo seguir reconstruyendo un amor que es casi de toda la vida y, también el hecho de que esté Andrea Garrote en la dirección y en la adaptación, había algo que me era muy tentador y también fue como muy gratificante. Fue muy fluida la relación, primero como adaptadores, conociéndonos a través de los textos y de las ideas, después pasamos eso al trabajo en el escenario que fue muy ameno, lo sigue siendo. De hecho, hace un rato le mandé un mensaje ya con la nostalgia de que vamos a dejar de vernos cotidianamente en los ensayos.

—¿En algún momento te pasó esto de transpolar tu vida personal a la obra?

—Creo que hay textos en donde obviamente a uno lo interpelan, lo convocan, lo puede entender. Hay textos de la obra que están llenos. Siempre pasa cuando uno agarra un texto o tiene que interpretar un personaje, hay algo de la situación en donde a veces te queda como bastante lejano y hay una construcción donde uno tiene que llegar para que la palabra del texto esté llena. Y en este caso hay muchas situaciones de las que viven estos personajes, las cuales conozco y por momentos he transitado, entonces está más lleno, porque uno sabe de lo que está hablando, lo ha vivido y ha tenido cierta cercanía con esas situaciones. Entonces como cuando hablo de esto de contar historias que a uno le interpelan en la actualidad, hablo un poco de eso, de tener la posibilidad de transformar ciertas situaciones en un hecho artístico, también creo que el arte se trata un poco de eso. Cuando leés una novela, cuando ves una película, cuando ves una obra de teatro, la interpelación y esto de sentirse aludido por ciertos textos o ciertos personajes, creo que es lo que todos buscamos. Y uno como intérprete es lo que busca también que el público, que la gente de alguna forma se modifique o se sienta reflejado en ciertas situaciones.

—¿Cómo fue volver a trabajar con Eleonora Wexler?

—Es con una de las actrices que más trabajé, porque hicimos todo: cine, teatro, televisión y la verdad que tenemos una dinámica, pero no solo una dinámica arriba del escenario, sino ya en la relación, el vínculo que tenemos es muy honesto y eso nos acerca mucho. Tenemos una química arriba del escenario donde ya nos conocemos y sabemos cuáles son los puntos fuertes, los puntos débiles y apoyarnos en esos lugares, pero sobre todo también desde un lugar muy generoso. Creo que lo que más compartimos entre los dos es la generosidad de estar solos arriba del escenario y potenciarnos el uno al otro. Todo el grupo de trabajo es maravilloso.

—¿Cómo lo describirías a Matías?

—Matías es un personaje que creo que puede representar perfectamente lo que vendría a ser un hombre que está entre los cuarenta y los cincuenta años. En una especie de crisis de identidad o de crisis un poco más existencial, en donde se está replanteando todo, desde su trabajo, que es crítico musical y es un trabajo de alguna forma un poco más romántico, que quizás está como mutando o cambiando, y donde eso se lleva a replantearse también esto de: ‘bueno, ¿para qué hago lo que hago? ¿Cuál es el sentido de hacer todo esto?’ Y a eso se le suma la crisis en el vínculo de la pareja y la historia cuenta esa porción de su vida, ese momento exacto en donde está replanteándose absolutamente todo. Y creo que es también lo que nos pasa de alguna forma a los que tenemos entre cuarenta y cincuenta años, que ya dejamos obviamente la adolescencia y dejamos los treinta, estamos casi como en la mitad de la vida y uno tiende a mirar para atrás y a preguntarse: ‘bueno, ¿qué hice con mi vida? ¿cuáles eran los anhelos y las fantasías que tenía para el futuro? ¿se están cumpliendo? ¿qué me queda por delante? ¿a dónde puedo llegar?’. A mí me pasa, había cosas, fantasías o anhelos que tenía a los diecinueve años, que hoy los veo como un poco más infantiles y un poco más inalcanzables y uno empieza como a desprenderse de eso, casi como si fuera una especie como de luto.

—Con todo esto que estás contando, ¿qué le puede llegar a pasar al público al verlo en escena?

—Hay muchos encuentros que tienen estos personajes, muchos temas que se hablan en estos encuentros en donde creo que el público se va a sentir totalmente identificado por los planteos que hacen, por los planteos que tienen en sus propias vidas, por las inseguridades, por estas reflexiones en vivo, de una forma honesta y bastante despiadada por momentos. Estamos hablando de una obra de vínculos, pero sobre todo de vínculos a largo plazo, de valorar lo que uno construyó, de cómo cuidarlo y cómo reconstruirlo y creo que es un tema bastante universal en ese sentido.

—Al principio hablabas de esto de los vínculos efímeros. ¿Por qué crees que es tan importante hoy en día hacer una obra que trate de vínculos de tanto años?

—No quiero caer en los dichos de cada generación tiene como su dicho de que el pasado siempre fue mejor o vivimos como una forma bastante nostálgica, no quiero caer en ese lugar, porque creo que sería caer en lo que nos decían nuestros padres y nuestras madres. Pero creo que hay algo mucho más descartable hoy, estamos viviendo en un momento en donde todo es mucho más descartable, desde los vínculos hasta las noticias, todo lo que estamos viviendo es una época de posverdad, ya no sabés qué es mentira, qué es verdad. Creo que revaluar eso en la propia vida, en el sentido de diseccionarlo, cuáles son los vínculos que uno tiene sólidos en la vida y qué es lo que a uno le sirve. Creo en este momento es muy destacable. Esto es un pensamiento personal, creo que los vínculos verdaderos son los que nos hacen ser como persona, lo que nos impulsa y lo que nos contiene. Hay algo, teniendo, hijos que están viviendo esta generación donde lo inmediato es bastante volátil, entonces como padre me gusta contar una historia así.

—¿Tus hijos la van a ir a ver?

—Sí, van a ir los dos.

—¿Y cómo pensás que pueden llegar a reaccionar?

—No sé. Es una obra en la que hablamos de un amor maduro, pero me gusta tener la fantasía de plantar una semilla, en todo sentido, de intentar no caer en este lugar de enseñanza y de levantar el dedo y decirle lo que tiene que hacer y cómo deberían vivir la vida, sino algo un poco más camuflado, que me vean haciendo cosas, que me vean leyendo, que me vean contando una historia donde se pone sobre la mesa el vínculo duradero. En ese sentido me gusta como tener la fantasía de que algo dentro suyo va a quedar. Uno cuando termina de ver algo que lo conmueve, una película, una obra de teatro, hay algo que resuena dentro tuyo que no se puede muchas veces poner en palabras, pero a largo plazo hay como una arenilla que va como decantando y va como sedimentando un fondo y yo confío en eso.

—Sos actor, escritor, padre, ¿cómo balanceas todas esas facetas?

—Igual no me considero nada. Soy como curioso en todo sentido, con respecto a la paternidad, con respecto a la escritura, a la lectura, a la actuación también. Obviamente que hay algo como mucho más concreto, que es la disciplina a la hora de escribir, de sentarme, de ejecutar esa escritura y darle tiempo, pero todos hoy por hoy, Tenemos diferentes roles en donde de alguna manera intentamos llenar un vacío que cada vez es como un poco más inmenso, pero creo que hay como un cierto orden, cierto esquema, todas las mañanas me siento a, a escribir, ahora estoy escribiendo un ensayo, que se llama Persona personaje, donde habló desde los diferentes roles, pero siempre hablando sobre la construcción de una historia, sobre la construcción de una narración, visto desde los diferentes puntos: desde la actuación, poniéndole el cuerpo, desde la literatura, contando de historias a través de novelas o la adaptación de un texto que ya existe

Necesito como armarme por las mañanas, escribir el ensayo, tener algunas lecturas abiertas también, empecé un espacio en Blender en donde estoy llevando escritores y escritoras contemporáneas, que publicaron en editoriales independientes. A la vez ensayar la obra de teatro.

—¿Cómo se prepararon para el estreno?

—La verdad que muy contento, con ansiedad, porque creo que estábamos en un punto de los ensayos en donde se necesitaba al público, se necesitaba la reacción inmediata a los textos, a las situaciones y terminan de completar el hecho, la obra, la historia, pero con muchas ganas, con mucha felicidad, con mucha alegría también, porque fue un proceso muy hermoso, muy fluido, muy divertido y creo que a la gente le gustó mucho.

En una nueva emisión de La Noche de Mirtha, Florencia de la V protagonizó uno de los momentos más fuertes de la mesa al compartir una confesión tan íntima como contundente. Lo que comenzó como una charla relajada sobre su presente laboral y su rol en la televisión, terminó derivando en un relato que dejó en silencio a todos los invitados.

Mientras repasaba su actualidad en los medios, donde se mostró plena y agradecida por el lugar que ocupa hoy, Florencia decidió ir más allá y habló de su historia personal. Fue entonces cuando lanzó una frase que impactó de lleno en la mesa: “Hasta el día de hoy le tengo pánico a la policía”.

La declaración no pasó desapercibida para Mirtha Legrand, quien inmediatamente quiso saber el motivo detrás de ese temor. Lejos de esquivar el tema, la conductora explicó que ese miedo tiene raíces profundas en su pasado, cuando las personas trans eran perseguidas y podían ser detenidas simplemente por su identidad.

“Yo me escondía en los taxis”, recordó, al describir cómo vivía aquellos años. Según contó, existía un clima de constante amenaza que la obligaba a moverse con cautela, incluso en situaciones cotidianas. “Nos podían llevar presas”, agregó, dejando en evidencia la crudeza de una época que hoy parece lejana, pero que marcó su vida.

El relato avanzó y la emoción fue en aumento. Florencia también reveló que fue detenida en una oportunidad, en una noche en la que había salido a bailar. Ese episodio, lejos de quedar como una anécdota aislada, forma parte de una historia más amplia de exclusión, miedo y supervivencia.

“Yo no quería ser actriz, yo quería sobrevivir”, confesó, en una de las frases más potentes de la noche. Con esas palabras, dejó al descubierto el contraste entre su presente —como figura consolidada de la televisión— y un pasado atravesado por la vulnerabilidad.

La mesa, que hasta ese momento transitaba entre anécdotas y risas, cambió completamente de clima. Mirtha escuchó con atención y respeto, mientras el resto de los invitados acompañaba en silencio un testimonio que expuso una realidad muchas veces invisibilizada. Así, Florencia de la V volvió a demostrar que, más allá del espectáculo, su voz tiene un peso propio.