MAR DEL PLATA.– “Mañana [por hoy] nos espera un gran día”, anticipó el domingo Macarena Collantes, madre de Bastián Jerez, que justo cuando se cumplen cuatro semanas desde su internación será trasladado este lunes por la mañana a una clínica privada del Gran Buenos Aires para continuar el tratamiento de recuperación de lesiones gravísimas sufridas en un choque entre dos vehículos en La Frontera, sector de playa al norte de Pinamar.

Las autoridades del Ministerio de Salud bonaerense habían anticipado previo al fin de semana que estaba la decisión tomada y solo se aguardaba el momento indicado para que el niño de 8 años pudiera abandonar el Hospital Interzonal Especializado Materno Infantil (Hiemi) de esta ciudad y continuar su atención médica en un lugar más cercano al domicilio de su familia.

LA NACION pudo confirmar que el plan previsto contempla un vuelo sanitario desde el aeropuerto Ástor Piazzolla de Mar del Plata, con partida a las 10.30 de este lunes y destino en el aeródromo de La Matanza, coordinado por el equipo del Sistema Integrado de Emergencias Médicas de la cartera sanitaria provincial y las instituciones de las que procede el paciente y la que tiene todo listo para recibirlo.

Se remarcó que se llega a este paso luego de evaluar un período prolongado de “estabilidad clínica” en el cuadro que presenta el menor y que se efectivizará en tanto las condiciones climáticas lo permitan. El panorama es favorable desde ese aspecto, por lo cual se da por hecho que hoy por la tarde Bastián estará ya internado en el Hospital Italiano de San Justo.

Siete intervenciones quirúrgicas acumula desde aquel 12 de enero por la tarde, cuando ingresó en gravísimo estado al Hospital Municipal de Pinamar. Presentaba politraumatismos y un diagnóstico complicado por lesiones internas importantísimas en el hígado. Dos operaciones le hicieron para reconstituir órganos abdominales en apenas 48 horas.

Cuatro días después, cuando se lo consideró en condiciones para que no corra riesgo su vida, se dispuso un primer vuelo sanitario en helicóptero hasta Mar del Plata. El Hiemi es el establecimiento público de alta complejidad más calificado de la región.

A poco de recibirlo le completaron la cirugía abdominal y se avanzó con estudios sobre lesiones en cráneo y columna. Allí se constataron varias fracturas y posteriormente daños importantes en su sistema nervioso central.

El primer paso fue colocarle una válvula para controlar la presión intracraneal, la que le fue retirada y vuelta a colocar. Todo ese proceso lo afrontó en estado de coma y con asistencia mecánica respiratoria. Este último equipo se retiró cuando se optó por una traqueotomía, a efectos de brindarle una vía aérea más segura.

Desde entonces viene dando señales de recuperación. La más importante, la semana pasada, cuando su madre confirmó que despertó, les sonrió e incluso le hizo “caritas de enojado”, gestos que interpretaron como los primeros de lucidez tras casi tres semanas de internación.

Altísimo nivel

Se aclaró que la institución que lo recibirá es de altísimo nivel de tecnología y profesionales para afrontar esta etapa de recuperación de Bastián. Se tomó esta determinación para posibilitar que su familia pueda estar más cerca de su domicilio de origen, en Moreno, y a partir de la cobertura médica que tienen por obra social.

Se advierte esta instancia como muy positiva para el paciente. La madre, a la espera de este traslado, ya expresó el agradecimiento a todo el personal que lo atendió en el Hiemi durante casi cuatro semanas.

“Sé que mañana [por hoy, lunes] nos espera un gran día. Un paso más para tu pronta recuperación, hijo. Antes de irnos queremos agradecer a todo el Hospital Materno Infantil por todo el amor y atención que recibió Basti. Estoy muy agradecida a todos por el gran trabajo que hicieron; son increíbles todos. Nos volvemos a Buenos Aires, no dejemos de pedir por Bastián, él aún necesita de todos nosotros. Gracias, gracias”, escribió Collantes en una historia de Instagram.

El nuevo avance de Supergirl, presentado durante la final televisada de la Superbowl, ha dejado a más de uno bastante frío. A mí entre ellos. Y es que, simplificando mucho, se trata de un refrito de ideas ya vistas en otros avances de la película, pero con más perro. Sí, Krypto, el Superperro, roba literalmente el protagonismo en varias de las escenas promocionales, y uno no puede evitar preguntarse si James Gunn pasa más tiempo pensando en cómo hacer que el público se enamore de un peluche que en contar una historia sólida. Me lo imagino perfectamente en su despacho en las oficina de Warner Bros. revisando cada nuevo proyecto y pensando: «le falta perro». Y es que Gunn no solo parece obsesionado con su propia figura autorial, también con las gracietas peludas de Krypto el superperro. Aunque la estética de la película promete un universo oscuro y complejo, con un enfoque que mezcla ciencia ficción y western, pero la estrategia de promoción parece subrayar lo que ya todos intuimos: la fiebre por Krypto.

Lo preocupante no es solo la saturación de imágenes del adorable cachorro kryptoniano, sino cómo este énfasis puede condicionar la percepción del público. El avance no solo muestra a Supergirl en acción, sino que dedica gran parte de su metraje a Krypto como un cachorro vulnerable rescatado entre las ruinas de Argo City. Esta elección narrativa, pensada para generar empatía y ternura, es, al mismo tiempo, un indicio de que la campaña promocional está dirigida más hacia la mercadotecnia que hacia la construcción de un relato sólido para la heroína de DC.

La sobreexposición de Krypto y su vínculo con la taquilla

El fenómeno de Krypto no surge en el vacío. En la campaña previa al estreno, el perro superhéroe se ha convertido en la cara visible de DC Studios, con peluches, juguetes, ropa y todo tipo de merchandising. La sobreexposición de este peludo personaje secundario coincide con un escenario que no es del todo favorable para la taquilla de los estrenos recientes de la franquicia. El ejemplo más claro es Superman (2025), primera gran película del nuevo DCU, que pese a superar los 600 millones de dólares en recaudación, quedó por debajo de las expectativas de Warner Bros. y fue retirada de cines antes de tiempo. 

El caso de Superman revela cómo una estrategia promocional centrada en personajes entrañables puede ser un arma de doble filo. Según Ted Sarandos, CEO de Netflix, la película se consideró “de menor rendimiento” y, por ello, se ajustó su ventana digital para llegar antes a plataformas. Aunque el filme todavía se benefició de la novedad del DCU y se mantuvo como uno de los estrenos más rentables del año, los indicios sugieren que una promoción centrada en merchandising, peluches de Krypto y campañas de productos familiares, puede haber desviado la atención del público adulto o de los fans más exigentes, provocando un rendimiento inferior al esperado en taquilla.

No existe un estudio concluyente que demuestre que las películas protagonizadas por animales sean sistemáticamente más o menos rentables; la evidencia es mixta, pero los animales suelen tener fuerte atractivo familiar y facilitan el merchandising, lo que puede aumentar ingresos totales, pero la rentabilidad en taquilla depende de muchos otros factores. Con todo, Gunn está haciendo una fuerte apuesta por Krypto no solo como alivio cómico y vínculo narrativo entre Superman y Supergirl, también como oportunidad estratégica: las ventas de licencias y merchandising actúan como un colchón financiero en escenarios de taquilla decepcionante. La campaña de productos asociados al perro superhéroe es masiva, con más de 100 socios de licencia globales y colecciones que incluyen desde juguetes hasta artículos para mascotas. Estos ingresos, independientes de la taquilla, permiten que la franquicia genere beneficios aun si la película no logra captar a los espectadores en cines.

La estrategia tiene sentido desde un punto de vista económico. Las licencias no solo diversifican los ingresos, sino que también prolongan la visibilidad de la propiedad intelectual. Cada peluche de Krypto vendido, cada camiseta o accesorio de colección, mantiene activo al DCU en la mente colectiva, incentivando el visionado posterior en plataformas digitales y fomentando la fidelidad de los fans. En otras palabras, el merchandising no reemplaza la película, pero sí amortigua las pérdidas potenciales y refuerza la presencia de la marca.

Riesgos de una estrategia centrada en productos

Sin embargo, depender demasiado del merchandising también tiene sus peligros. Cuando un personaje secundario eclipsa a los protagonistas en la promoción, la percepción del público puede cambiar: la película empieza a verse más como un anuncio de productos que como una producción cinematográfica seria. Esto genera expectativas muy concretas que, si no se cumplen, pueden provocar decepción y críticas negativas, afectando tanto la taquilla como las ventas de productos. La reacción del público ante un exceso de perro graciosete puede ser implacable, sobre todo si genera la sensación de que la historia principal queda relegada a un segundo plano.

Además, la visibilidad constante de Krypto podría provocar un efecto de saturación, haciendo que el personaje pierda atractivo y afecte tanto a la experiencia cinematográfica como a la percepción de calidad de la franquicia. A mí me pasa. Krypto es gracioso pero creo que se está estirando demasiado el chicle, y eso que todavía no se ha estrenado Supergirl.Para los estudios y equipos de marketing, la lección es clara: el merchandising debe complementar, no sustituir, la película. Es recomendable alinear los mensajes promocionales con la narrativa central, segmentar campañas para distintos públicos (coleccionistas, familias y fans hardcore) y escalonar los lanzamientos de productos para no inflar expectativas antes de tiempo. La medición en tiempo real de ventas, intención de compra de entradas y sentimiento en redes sociales puede ayudar a ajustar la estrategia sobre la marcha, maximizando los beneficios sin sacrificar la percepción artística de la obra.

Los avances de Supergirl me hacen pensar que la película está dulcificando y suavizando la historia original de Tom King: La Mujer del Mañana, tomando lo anecdótico de la historia y sustituyendo su aspecto más maduro e interesante por un enfoque «para todos los públicos» que apela más al sector más joven (y consumista) de los espectadores que a quienes esperaban una adaptación fiel y potente de ese cómic. Pese a que la película toma elementos del material de King, que en su versión impresa combina trauma, desolación y una odisea de crecimiento personal para Kara Zor‑El, los avances parecen priorizar lo simpático por encima de lo profundo, como si antes de contar una gran historia quisieran vendernos peluches y camisetas. La salud a largo plazo del DCU dependerá de encontrar un equilibrio entre calidad cinematográfica, promoción coherente y estrategias de licenciamiento inteligentes que no diluyan el valor del relato ni terminen priorizando los peluches sobre la historia.

La intensa exposición de Krypto en Supergirl y en la estrategia promocional de DC Studios ilustra un fenómeno creciente en la industria cinematográfica: la mercadotecnia y las licencias son tan protagonistas como las películas mismas. PAra que no me etiquetéis de misocanino, tema que la promoción de la peli pueda tener en los próximos meses un enfoque diferente y cargar las tintas en la presencia de Lobo, el chico malo de DC Cómics, que no aparece en la historia original y que interpretado aquí por el popular Jason Momoa, tiene un tufo a estrategia publicitaria que echa para atrás. La clave para el DCU de James Gunn estará en encontrar un equilibrio donde los peluches de Krypto y la historia de los héroes convivan sin que uno eclipse al otro, asegurando que una marca no dependa únicamente de la ternura de un perro para sostener su éxito. Malos tiempos para las películas de superhéroes si el éxito de un estreno de Batman dependo de la presencia de Ace, el batperro.

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La noticia

El Universo DC de James Gunn solo piensa en vender peluches de un perro y me preocupa que eso sea lo único que le importa

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3DJuegos

por
Chema Mansilla

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¿Cuántas veces intentaste conservar un objeto que te recuerde a alguien? Hoy, esa búsqueda parece tener respuesta en la fotocerámica, una técnica que vuelve posible transformar una imagen querida en una pieza pensada para habitar el hogar: logra que un recuerdo deje de ser frágil y atraviese el tiempo para volverse parte de la vida cotidiana.

Parte de algo que no es nuevo. La fotocerámica tuvo un peso fundamental hace más de 100 años, ligada mayormente a la iconografía funeraria de finales del siglo XIX y principios del XX para inmortalizar a los muertos. Basta pensar en esas imágenes que identificaban nichos o tumbas, y que, pese a la intemperie, permanecían inalterables a lo largo de las décadas.

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Hoy, un grupo de artistas está poniendo nuevamente el foco en esta actividad, alejándola de los cementerios para llevarla con creatividad al centro de la escena plástica contemporánea.

El fuego como constructor de memoria

Laura Gan nació en la localidad bonaerense de 25 de Mayo, y vive en la capital de la provincia. Es artista plástica, ceramista y docente en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) a partir de haber obtenido en esa casa de estudios su título de Profesora y Licenciada en Artes Plásticas con orientación en cerámica.

Su camino en esta disciplina comenzó en 2010, cuando se incorporó a una cátedra de investigación donde Angela Tedeschi —quien había aprendido del maestro italiano Antonio Vuolo— transmitía los secretos de la técnica.

Para Laura, el flechazo fue inmediato: la fotocerámica le permitió desarrollar su tesis de graduación utilizando fotografías de la pintora mexicana Frida Kahlo.

Cuando se le pide que describa el proceso, detalla que como primer paso se eligen y editan las fotos en programas como Photoshop; después se imprimen en acetato (filmina) y luego comienza la magia artesanal.

En este punto se utilizan una emulsión fotosensible y pigmentos cerámicos que reaccionan a la luz ultravioleta (UV). La imagen se revela en un cuarto oscuro sobre un azulejo esmaltado, que posteriormente se somete a una horneada de temperatura feroz, de 1060°C, durante unas cinco horas.

Este procedimiento se diferencia radicalmente de lo que vemos en las tazas sublimadas industriales, esas que se venden con logos o ilustraciones. Mientras que en esos casos se usan prensas de calor a baja temperatura (180°C) que solo imprimen superficialmente, en la fotocerámica el o la artista revela la imagen manualmente y los pigmentos se integran al cuerpo cerámico de forma definitiva.

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El resultado es una pieza vitrificada que no se borra ni se degrada; es para toda la vida, inalterable. Pero, como dice Gan, con una particularidad. En este proceso, “la mano interrumpe el sistema”, asegurando que cada obra sea irrepetible, aunque la matriz sea la misma. Cada creador puede incorporar su propio arte.

De la pantalla al azulejo: darle cuerpo a los recuerdos

Aunque Gan es una referente ineludible —formando a alumnos en la UNLP y en su propio taller particular—, ella misma aclara que no es la única representante de esta actividad. Hay otros artistas que están explorando este lenguaje, impulsados por una democratización tecnológica que hoy permite tener hornos más accesibles y pigmentos estables.

Lo que antes era exclusivamente industrial, ahora es un territorio de investigación para artistas y emprendedores curiosos que buscan algo más que la inmediatez del píxel.

Desde una mirada psicológica, esta técnica responde a una necesidad humana profunda: materializar vínculos afectivos. Al plasmar el rostro de alguien sobre cerámica, la memoria deja de ser un mero recuerdo mental para transformarse en una presencia cotidiana que ayuda a tramitar ausencias y sostener lazos en el tiempo. Es un anclaje emocional que se integra al paisaje íntimo de nuestras casas.

En sus talleres, Laura observa cómo personas de diversos ámbitos se acercan para experimentar con sus archivos personales, desde emprendedores que buscan una salida laboral (Laura vende fotocerámicas como cuadros o revestimientos para paredes y, a modo de referencia, cuenta que una obra de 15 x 15 cm cuesta $30.000) hasta artistas que quieren dominar la técnica.

El proceso requiere paciencia: entre el cuarto oscuro, el revelado y el horneado, una sola pieza puede llevar horas de trabajo y casi un día entero de espera para que el horno se enfríe.

Hay un goce en esa temporalidad lenta, analógica, donde el error es parte del aprendizaje y no un fracaso. “Al ser una técnica de reproducción única de la imagen en la que interviene la mano humana, según qué presión se realiza sobre la emulsión cruda puede que ocurra el defecto”, explica.

En cualquier caso, la fotocerámica regala la posibilidad de observar un “presente estático”, que incluso es capaz de partir desde una foto que nunca existió en el mundo real: el disparador puede ser una imagen digital, una creación, un collage, un montaje.

Lo cierto es que en un mundo de imágenes infinitas e inestables que ya no sabemos cómo guardar, el deseo de recuperar lo tangible crece. Esta técnica permite que una foto vuelva a tener cuerpo, espesor y persistencia. Es, en definitiva, una invitación a detenerse y contemplar lo que alguna vez fue una impronta visual y que, gracias al fuego, se queda con nosotros para siempre.

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Cerrar este proceso es como abrir el horno después de 18 horas de espera: es descubrir que aquello que era etéreo cobró una fuerza indestructible. Si la memoria es una llama amenazada por el viento del olvido, la fotocerámica ayuda a conseguir que no se apague nunca, sobre la superficie eterna de un azulejo.

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