Si la vida fuera una comedia de enredos, una de las primeras imágenes podría mostrar a una dupla de actores con dos periodistas de espectáculos. “Ah, ¿son dos?, nunca hice algo así”, se asombra Adrián Suar al entrar al escenario del Teatro Nacional y ver a los editores de Teleshow. Ya sentada a su lado está Carla Peterson, su compañera de elenco, quien junto a Lorena Vega y Fernán Mirás el jueves estrenaron Sottovoce, nadie puede guardar un secreto. La sorpresa da paso a las risas, donde más adelante repasarán, entre muchos otros detalles, el avance de la inteligencia artificial en todos los ámbitos. “Si le doy la consigna y le digo: ‘vinieron dos periodistas con dos actores, ¿qué podría pasar? ¿qué punto de giro podría haber si hay un asesinato?’ ¡Y la IA me hace una historia con eso…!”, relata Suar con la permeabilidad y la creatividad que lo caracterizan al interpretar las nuevas tecnologías.

Durante más de media hora, los protagonistas de esta comedia hablarán sobre esta nueva aventura teatral que los encuentra, después de más de una década, juntos otra vez sobre las tablas. También habrá tiempo para los proyectos, para el análisis profundo de la actualidad de las producciones artísticas, de sus vidas y de sus sueños.

La escenografía, que proyecta un Puerto Madero nocturno y cinematográfico, es la fábrica textil Sottovoce, que da título a la obra y también al argumento. Esos secretos que las familias se empeñan en esconder bajo la alfombra, y que afloran cuando menos se los esperan para desatar una hecatombe en una sola noche. En el caso de ellos, la venta o no de la empresa familiar que desnuda miserias y pone en tela de juicio las convicciones y los afectos.

Suar y Peterson vuelven a trabajar juntos sobre el escenario a 15 años de La guerra de los Roses, y la convocatoria no podría haber sido de otra manera que no sea una comedia. Es un proyecto que Adrián maquinó no bien terminó Felicidades y, acorde a su personalidad inquieta, ya pensaba en el siguiente paso. Enseguida visualizó a Carla como la protagonista. “Quería volver a trabajar con ella”, dice sobre el germen de Sottovoce, que en su rol de productor dibujó con el director Mariano Pensotti.

“La obra es un traje a medida”, agrega el actor para ayudar a comprender la arqueología de una puesta en escena de esta magnitud. “Y si no había Carla no había obra”, sigue mientras ella dibuja una sonrisa.

La obra apela una vez más al humor como antídoto ante los golpes y zancadillas que ofrece la realidad. De la misma manera que lo hacen en la vida real, tan parecida y tan diferente a la del escenario. “Para mí, es una linda vía de escape para estar bien en la vida”, asegura Suar. “Y también encontrarle a los momentos complicados esa cosa que a veces, en el medio de la tragedia, descubrís algo lindo o alegre para no pasarla tan mal, ¿no? Siempre hay algo que te sorprende”, suma Peterson.

Carla escucha y su recuerdo viaja en el tiempo al momento en que le llegó la propuesta de Adrián. “Estaba en un motorhome haciendo no sé qué serie cuando recibo un llamado.’¿Estás para hacer una obra de teatro para el 2026?´, relata como quien está frente a un ofrecimiento de un futuro lejano. “Si vos actuás, sí, pero falta tanto…”, fue su respuesta en aquel momento, lo más espontánea que pudo. “Como ya había trabajado con él, sabía lo divertido que es y lo bien que la pasé haciendo Los Roses”, evoca. El teatro, y en esto también coinciden, pone a prueba otras vibras actorales para las que el compañero correcto se hace todavía más importante. “Yo necesito por lo menos que haya otra confianza, otra disposición frente al trabajo, porque yo también me lo exijo”, explica.

Sottovoce terminó de cobrar forma con Fernán Mirás quien, con su recorrido de amistad y compañerismo junto a Adrián desde la época de La banda del Golden Rocket en 1991, se sumó a la acotada y exclusiva lista. Finalmente, Lorena Vega, la actriz más buscada del momento a partir de su revelación en Envidiosa, a quien conocían del off y tanto Adrián como Carla querían a su lado. Cuatro nombres convocantes por sí mismos, lo que presenta un desafío extra: “Hay un recorrido ganado, pero ahora arrancamos de cero”, dice Suar, y explica por qué siente cada paso como una validación.

“Tenemos que subir al escenario, la gente paga su entrada con el esfuerzo que genera venir y elegirnos. Por eso para mí la ceremonia del teatro tiene algo de tanto cariño, de tanto amor y de tanta responsabilidad, porque yo quiero que te vayas bien a tu casa, y las reglas para que te vayas bien tienen que ser más o menos acorde a lo que ideológicamente sentimos cada uno, cómo hacemos reír. Porque a veces la manera de hacer reír, en algunos casos, que es válido, no es la que yo comulgo, no vale todo en función de hacer reír. Y para mí es el antiteatro eso. Pero la comedia bien entendida, como nos gusta a los comediantes, es con el texto y hacer reír con lo que pasa en la situación. Y eso es más difícil que el drama. Los que hacen drama van a decir: ‘Callate, enano de mierda’”, afirma Suar entre risas. “Pero lo digo en serio porque es muy difícil hacer reír”, asegura convencido.

—Son dos actores que se ve que apelan al humor en su vida cotidiana, por más que no estén catalogados como comediantes. ¿Comparten los mismos códigos del humor?

Peterson:— Sí, compartimos y creemos en el humor del otro. Yo sé que si se me ocurre algo que está bueno, él lo va a agarrar. Si hay algo que no está tan bueno, porque a veces no conviene para el tiempo o el momento, él sabe dónde ponerlo y también cómo decir que no. A veces hay remates que vemos que tienen humor, pero no lo encontramos de una manera y probamos de otra. Confío mucho en el criterio de mis compañeros, y eso te da una tranquilidad de que lo vamos a encontrar, que va a salir, que le vamos a encontrar el tono.

—Los dos son directores de teatro, ¿les ayuda a mejorar el texto?

Peterson: —Sí, pero ese es un trabajo que hacen todos los actores.

Suar:— A veces la dirección es una mezcla. El director ordena, pero como productor, a veces cuando me toca dirigir, confío mucho en el instrumento. Digo: “Por algo te llamé, ¿qué traés? ¿Qué vas a proponer?”. Confío en el GPS propio que trae el actor para ir para allá, para acá. Eso es lindo también.

—El teatro se convirtió en un refugio en este momento que no hay ficción en pantalla

Suar: —Y tampoco cine.

—Tampoco. Pero sí hay ficción en las plataformas. ¿Cuál es la diferencia?

Suar:—Y las plataformas no hacen tanto. Antes hacías ficción y había dos canales que hacían, ponele, dos ficciones cada uno de cada canal, con 250 horas al año. Son 500 horas contra a lo mejor veinte ficciones de treinta minutos. Es decir, entre las dos plataformas hacen diez ficciones de, aproximadamente, ochenta o cien horas al año contra 500 que se hacían antes.

Peterson: —Pero también antes se filmaban tal vez algunas películas que no eran tan grandes. Y ahora cuesta más para alguien que está empezando, para el mundo independiente.

Suar: —Está difícil ahora, pero va a volver a tener una dinámica la tele, a lo mejor con la combinación de la plataforma con canal de aire. Los dos compartimos el costo – un costo más barato-, pero que a la plataforma le sirva para tener algo, porque necesita tener contenido. Todo esto es muy nuevo, la plataforma fuerte lleva como mucho diez años.

—¿Adrián, en la tele te gustaría hacer ficción? ¿Tenés algún proyecto?

Suar: —Sí, estamos hablando para hacer algo en colaboración con una plataforma, ojalá se dé.

—Si la ficción es buena, la gente ve ficción

Suar: —Yo en ese sentido soy más realista. Entiendo la arenga de la ficción, que somos los mejores haciendo ficción… Sí, hay muy buena ficción, buenos actores, pero es muy difícil hacer una buena ficción. De cien, con toda la furia, para mí 20 son buenas y 80 normales. Es difícil hacer una ficción que te atrape, y no solo en Argentina, en el mundo.

—Y cómo se viven los éxitos en las plataformas? Antes las tiras parecía durar más tiempo, un año mínimo. Hoy es un furor de un par de días.

Peterson: —Con las tiras también pasaba lo mismo. Vos entrabas todos los días en pantalla, pero después nadie se acordaba. Los chicos no saben quién sos. Y de golpe los padres sí, o las abuelas, porque yo ya tengo edad para ser abuela. Ahora con las series también. Las series de plataforma llevan mucho tiempo de producción, mucha anticipación, tienen otro tiempo de edición y salen cuando la plataforma dispone. De golpe, pasaron dos años y vos ya estás en otro proyecto. Y todo ese trabajo la gente lo consume en uno o dos días. Todos esos tiempos cambiaron y de golpe la gente ve los seis capítulos en un segundo, en vez de aguantar a que salga mañana el próximo y después el otro. Entonces también cambió la manera de la gente de esperar.

Suar: —Son explosiones. El Eternauta, veinte días, Envidiosa también veinte días. Explota cuando explota, pero después queda. Vos vas por la calle: “Te vi en El Eternauta”, es conversación. Pero lo que dice Carla es cierto, antes tardabas seis meses en ver una serie, pero también terminaba y andá corriendo a pedir fiado porque ya no te querían más. No se acuerdan. Pero en la vida también es así, con los amores, imaginate en la vida real… Pero lo que queda a través de los años es el recuerdo emocional, de haberte visto en tal o cual novela. Eso es lo bueno que te deja la tele, y nosotros agarramos una buena camada entre los 90 y entre 2010 y 2015.

—¿Tenés en cuenta la opinión del público?

Suar:—Me ha pasado de subir a un taxi, a un colectivo y alguien me decía: “Te vi ayer. Flojo el capítulo de ayer, el actor que entró es malo. Ojo que es bueno aquel pibe”. Y ahí decís, tiene una mirada, porque el rango de estrato de la clase media, media-baja sobre todo, tiene un olfato para detectar lo que funciona. Y en un ochenta por ciento acertaban. Había algo del olor, de la intuición, que me decían: “Floja la novela” en el lenguaje que podían, porque no saben de ficción pero sí saben de mirar. Es muy interesante ese fenómeno. Y después están los dramaturgos, los autores, que te explican, te explican…, y alguien, un plomero o un panadero, te decía: “Lo vi, no me atrapó”. Y vos decías: “Tiene razón el hijo de remil puta” (risas).

—Hoy la devolución y la interacción con el público también se da en las redes. ¿Cómo se llevan con eso?

Peterson: —No sé, porque yo estaría retirándome ya de las redes [ríen]. No de la televisión, pero me agota.

Suar: —Yo no tengo ninguna red social. No lo sé hacer, soy un inútil. El Instagram para laburar, pero me lo manejan.

Peterson: —Claro, para mi trabajo lo uso, pero cada vez menos, porque también me doy cuenta que si lo tengo en la mano puedo estar horas y no quiero perder tiempo en eso. Es una gran herramienta si la sabés usar, que no es mi caso. Y se nota que no sé usarla.

—¿Y con la inteligencia artificial? ¿La ven como una posibilidad para incorporar en el trabajo?

Suar: —Para mí es un avance tremendo. Para algunas cosas la inteligencia artificial es buena y para otras cuando dice que puede reemplazar te da miedo. ¿Qué va a reemplazar? ¿Cuántas cosas va a reemplazar? Te da miedo. Pero algunas cosas no va a poder reemplazar nunca, y otros trabajo mutarán, como mutaron en 1902.

—¿Qué opinión tienen de las ficciones verticales? Casi lo opuesto a lo que hablábamos de aquellas tiras que duraban un año o más…

Suar: —Si para gente es una vía de ingresos económicos y de dar trabajo, no lo veo mal. No sé si lo haría, a lo mejor como servicio de producción. Nosotros lo hacíamos, cuando en los capítulos teníamos un sobrante de escenas lo hemos hecho… En definitiva, son veinte capítulos de un minuto, lo juntás todo y se puede armar una minificción.

—Para cerrar, y volviendo a Sottovoce. ¿Cuánto se parece la familia que integran en la ficción a sus propias historias?

Suar: —Cada familia es un mundo y hay particularidades en todas, pero acá en la comedia lo que se divide es la locura, la avaricia, la compulsión que uno tiene a raíz de una venta de una empresa familiar, no hecha por nosotros, sino por nuestros padres. Y a ver cómo nos vamos a repartir los porcentajes de la venta.

Peterson:—Y al ser una comedia, la obra también permite un juego de poder decirnos cualquier cosa y seguir adelante, porque es un chiste. Y también como en la familia, con la gente que uno más quiere, se anima a ser un poco más, no sé si es o malo, verdadero, o decir cosas que tal vez con alguien que no conocés tanto no lo harías y acá eso pasa. Son personajes que se exceden por distintas cosas, que también son juegos que nos facilitan para hacerlo más divertido, más extremo, por no decir exagerado, porque el teatro es exagerado. El teatro no es real, es un recorte y nos permite divertirnos mucho.

ARIES (del 21 de marzo al 20 de abril)

Sentirás una tensión entre todo lo que deseas hacer y el tiempo real disponible para concretarlo. La Luna en Virgo te pide orden, método y atención al cuerpo, mientras el Sol en Géminis dispersa la mente en múltiples direcciones. Podrías sentir ansiedad o impaciencia. El desafío será priorizar y avanzar paso a paso.

TAURO (del 21 de abril al 20 de mayo)

Esta cuadratura moviliza el deseo de disfrutar frente a responsabilidades pendientes. Querrás placer, descanso o romance, pero también habrá asuntos prácticos que requieren atención. La Luna en Virgo te invita a poner tus talentos en acción con disciplina. Encontrar equilibrio entre goce y productividad será la clave.

GÉMINIS (del 21 de mayo al 21 de junio)

El Sol en tu signo te impulsa a expresarte y expandirte, pero la Luna en Virgo señala exigencias emocionales o familiares que no puedes ignorar. Podrías sentirte dividido entre lo que quieres mostrar al mundo y lo que necesita contención interna. Tiempo de ordenar prioridades afectivas.

CÁNCER (del 22 de junio al 22 de julio)

Tu mundo mental estará muy activo, pero también algo saturado. Esta fase creciente puede traer noticias, conversaciones importantes o decisiones pendientes. La Luna en Virgo te pide precisión y análisis, mientras el Sol en Géminis remueve pensamientos inconscientes. Necesitarás pausas para no agotarte mentalmente.

LEO (del 23 de julio al 22 de agosto)

Podrías sentir tensión entre proyectos grupales y necesidades económicas personales. El deseo de avanzar con otros choca con la necesidad de cuidar recursos y energía. La Luna en Virgo te pide realismo financiero. Buen momento para ajustar planes y revisar gastos.

VIRGO (del 23 de agosto al 21 de septiembre)

Con la Luna en tu signo sentirás todo con más intensidad. Habrá necesidad de avanzar en metas personales, pero también presión externa relacionada con trabajo o imagen pública. Podrías sentir exigencia o auto crítica elevada. La clave será confiar en tu proceso sin querer resolver todo hoy.

LIBRA (del 22 de septiembre al 22 de octubre)

Esta cuadratura puede generar cansancio emocional y necesidad de silencio. El Sol en Géminis quiere movimiento, ideas nuevas y expansión, mientras la Luna en Virgo pide retiro, descanso y limpieza interna. Escucha las señales del cuerpo. No todo se resuelve pensando más.

ESCORPIO (del 23 de octubre al 21 de noviembre)

Sentirás tensión entre la intensidad emocional de ciertos vínculos y la necesidad de compartir con amistades o proyectos colectivos. La Luna en Virgo te ayuda a ver con claridad quién suma y quién drena energía. Tiempo de seleccionar mejor tus entornos.

SAGITARIO (del 22 de noviembre al 22 de diciembre)

La cuadratura toca tu eje relaciones y profesión. Podrías sentir demandas externas tanto en pareja como en trabajo. El Sol en Géminis ilumina vínculos, mientras la Luna en Virgo exige eficiencia laboral. Será importante negociar tiempos y no sobrecargarte.

CAPRICORNIO (del 23 de diciembre al 21 de enero)

Habrá deseo de crecer, estudiar o cambiar de perspectiva, pero también muchas tareas diarias reclamando atención. La Luna en Virgo te favorece porque ordena tus ideas, aunque el Sol en Géminis multiplica pendientes. La clave será sostener visión amplia sin descuidar lo inmediato.

ACUARIO (del 22 de enero al 21 de febrero)

Esta fase creciente moviliza emociones profundas y temas económicos compartidos. Podrías sentir tensión entre el deseo de disfrutar y ciertas obligaciones materiales o afectivas. La Luna en Virgo pide claridad en acuerdos y límites. Ordenar lo compartido traerá alivio.

PISCIS (del 22 de febrero al 20 de marzo)

Uno de los signos más movilizados por esta cuadratura. La Luna en Virgo enfrente de tu signo ilumina relaciones importantes, mientras el Sol en Géminis mueve asuntos familiares y emocionales. Sentirás que debes equilibrar necesidades propias con demandas ajenas. Momento ideal para conversar con madurez y claridad.

Hay un rostro colombiano que está marcando tendencia en el streaming mundial y no piensa pisar el freno. Juanita Molina acaba de instalarse en la cima del espectáculo gracias a su interpretación de Angie, la implacable sicaria de Pablo Escobar en Dear Killer Nannies, la serie que conquistó el puesto número uno en la plataforma a menos de un mes de su estreno. Detrás del personaje explosivo, Teleshow habló en exclusiva con la artista inquieta, apasionada y lista para el próximo salto internacional, quien contó cómo vive este fenómeno en tiempo real.

Pero el brillo de Juanita no es nuevo para los espectadores de América Latina, sino que su rostro ya es sinónimo de éxito. Fue figura central en la segunda temporada de La Reina del Flow, el fenómeno musical que redefinió la televisión regional y la catapultó a la fama. La lista de hits no termina ahí, ya que protagonizó Romina Poderosa, se sumó a la segunda temporada de 100 años de soledad y participó en Medusa, todas producciones de alto impacto en Netflix donde demostró que lo suyo no es suerte, sino versatilidad y carácter.

Como si no alcanzara con conquistar el streaming, también se ganó un lugar en la telenovela más querida por varias generaciones: Betty la fea, 20 años, donde interpretó a Mila, la hija de la querida protagonista. Juanita forma parte del elenco principal y ya tiene la mira puesta en las próximas temporadas, lista para revivir el fenómeno global de Betty con una impronta renovada. Entre estrenos, rodajes y portadas, Molina se consolida como el nuevo gran nombre del talento colombiano que el mundo está mirando.

—¿En qué momento sentiste que este camino de actuar era lo que vos te querías dedicar para toda la vida?

—Yo soy de Medellín, pero vivo en Bogotá hace diez años, y justo la semana pasada me encontré con álbumes y videos del colegio. Vi la primera obra de teatro que hice en el colegio. Empecé en clases de teatro muy chiquita, y en ese momento yo sabía que eso que hacía los martes y jueves me encantaba, pero nunca pensé que se podía hacer de forma profesional. Hasta que un día le pregunté a mi profesora de teatro cómo se hacía para dedicarse a eso. Porque yo no vengo de una familia de actores ni de artistas, nada. Y ahí me enteré que era una posibilidad. Tiempo después, a los 16 años, presenté un programa en un canal regional en Medellín. Aunque la conducción no era lo que soñaba, hoy veo esos videos y siento que me ponía también en el personaje de la presentadora. Y a raíz de eso, hice una serie web con un gran amigo, estábamos muy chiquitos, no teníamos ni idea de nada y no sé cómo la hicimos, pero fue mi primera vez actuando en algo audiovisual.

Después me fui a Bogotá. Arranqué estudiando Comunicación Social porque mis papás me apoyaban pero querían que tuviera un plan seguro. Estuve dos años estudiando Comunicación, y a la par tomaba clases de actuación en una escuela chiquita por la mañana y a la noche iba a la universidad. Hasta que mi mamá me dijo: “Bueno, Juanita, ¿cuándo nos vas a decir que no querés volver a la universidad?” Ahí fue cuando arranqué de lleno con la actuación como plan A, B, C, D, todos los planes.

—¿Y qué sentiste cuando empezaste a tener todo este gran reconocimiento a nivel mundial?

—Sí, fue sobre todo una confirmación de que el camino que estaba eligiendo era el correcto, como decir: “Ah, bueno, sí era por acá, mi intuición no estaba equivocada”. Recuerdo mucho un momento cuando estudiaba comunicación, esperando el bus, y tuve el pensamiento de imaginarme a los cincuenta años sin haberme arriesgado a intentar si este era mi camino o no. Cuando empezaron a pasar todas esas cosas, fue como: “Menos mal me escuché, menos mal fui arriesgada en ese momento y me fui por lo que sentía que era posible para mí”.

—Ahora estás haciendo furor con la serie Dear Killer Nannies y tu personaje de Angie. ¿Qué fue lo primero que te generó este proyecto cuando llegó a tus manos?

—Primero me llegó un perfil del personaje y la verdad, el perfil de Angie era súper atractivo. Era una niñera que le enseñaba matemáticas al protagonista, pero a la vez tenía la mejor puntería de todo el equipo y una relación súper pasional y bastante tóxica con uno de los personajes, pero era una sicaria. Esta contradicción de sicaria y niñera era un perfil súper llamativo. Al principio no había mucha información del proyecto, pero ya en los castings nos empezaron a contar un poco más. Fue recién cuando quedé que entendí que era la historia de Juan Pablo, contada desde la perspectiva de los sicarios, pero también de niñeras, y que esto había pasado realmente. Toda la naturaleza del proyecto se fue revelando una vez que ya estaba adentro.

—¿Y a la hora de construir este personaje, cómo fue el proceso? ¿Cómo le pusiste tu impronta?

—Primero fue entender de dónde venía, qué decisión la había llevado a entrar a este mundo. Arranqué tres meses antes de la producción a entrenar muy fuerte, porque quería sentirme fuerte para el personaje. Aprendí manejo de armas, a manejar moto y todas estas cuestiones físicas me daban información. Después, con un coach que tengo acá, creamos todo el universo interno de ella. Pero creo que uno termina de entender mucho quién es uno en relación a los demás. La relación con los otros nannies me daba mucha información sobre quién era yo en el grupo y quién era yo conmigo misma. Esta sinergia, esta conexión que se generó con los nannies fue súper importante para entender el personaje. Y ya grabando, dejo mucho espacio para que el personaje se vaya revelando escena tras escena. Soy muy estudiosa antes del rodaje, pero cuando entro a grabar trato de soltar y dejar que el momento me dé nueva información sobre el personaje.

—¿Cuál fue el mayor desafío durante el rodaje y la construcción de tu personaje?

—Fue un rodaje muy ameno, la verdad la pasamos muy bien grabando. El equipo de actores, técnica, dirección, producción, todos fueron increíbles. Pero creo que lo más difícil, al menos para mí, fue confiar. Confiar en que está apareciendo, aunque uno no lo vea. Confiar en la visión del director, que es quien está viendo el todo, y en los productores que entienden lo que quieren del proyecto. Como actor, si no te dicen “muy bien” o “por ahí es”, uno empieza a dudar: “¿Lo estaré haciendo bien? ¿Esto está saliendo?”. Aprendí que si no dicen nada es una gran señal de que está funcionando. Así que confiar fue quizás lo más difícil.

—Venís de historias muy distintas en lo audiovisual. ¿Qué tiene este proyecto que no te había pasado antes en un set?

—Nunca había trabajado con niños, por ejemplo. La presencia de los niños marcó una diferencia enorme en el ambiente. Nos acoplamos mucho a la energía de juego, de descubrimiento e inocencia que traían ellos. Además, nunca había hecho un personaje con las características de Angie. Mis personajes anteriores nunca habían sido sicarios ni tan oscuros. Así que fue muy interesante y, la verdad, delicioso de hacer.

—Como colombiana, llevando a la pantalla la historia de un personaje tan conocido como Pablo Escobar, ¿qué significa para vos poder acercarte a este universo y transmitirlo a públicos de otros países y culturas?

—Siento que lo que me gusta de esta historia es que no glorifica el narcotráfico ni la imagen de Pablo Escobar, que muchas veces se tiende a glorificar por falta de información o por lo que se ve en otras series. Esta figura generó muchas heridas, dejó herencias que aún vivimos hoy. Me gusta que la serie no se enfoque en él, sino que muestra una cara cruda de lo que pasó, sin aspiracionalidad para los jóvenes. Muestra las consecuencias de la violencia, y eso me gusta que quede claro para la gente de afuera.

—¿En qué momento te diste cuenta de que dejaste de elegir personajes de tu zona de confort y apostaste por roles más oscuros y complejos como Angie?

—La verdad es que tenía muchas ganas de hacer un personaje más antagónico, más oscuro, y no me había llegado la oportunidad. Al principio, tampoco es que uno tenga muchas opciones para elegir. Cuando llegan estos personajes, hay que tomar la oportunidad con todo y meterse de lleno, porque la gente no se imagina que uno puede hacer algo hasta que lo hace. Espero que este personaje me abra la posibilidad de interpretar otros roles más complejos y diferentes.

—¿Cómo hiciste ese cambio de energía, de pasar de personajes más divertidos y cotidianos a lo oscuro y serio de Angie? ¿Tuviste algún método?

—Me apego mucho a las situaciones y la circunstancia dada. En Betty, los dramas de Mila son más cotidianos: no llevarse bien con la mamá, querer crecer en la empresa, estar a la sombra de los padres. Son dramas más livianos y eso te pone en una energía distinta. Pero cuando te pones en la piel de Angie, con situaciones como fiestas, drogas, violencia, todo se vuelve mucho más pesado y cambia la cualidad energética del personaje. Las circunstancias ya te llevan a otro lugar.

—¿Qué sentiste al formar parte de la secuela de una historia tan icónica como Betty la fea?

—Fue muy icónico. Ser parte de una novela tan importante para la cultura pop colombiana y mundial fue un hito. Al principio, las primeras dos temporadas se sentían completamente irreales, era como: “¿En qué momento llegué yo acá?” o “¿En qué momento soy la hija de Betty y Don Armando?”. Era algo que no podía creer.

—A partir de tu experiencia en proyectos como Betty o La reina del flow, ¿te gustaría volver a un personaje más ligado a la comedia o lo musical, o preferís explorar roles más dramáticos o incluso de terror?

—El drama me encanta, es mi género favorito, pero disfruto mucho la comedia. Betty fue un gran maestro para aprender comedia, que me parece muy compleja. Me gusta poder deambular entre lo cómico y lo dramático, y trato de que cada proyecto que escojo sea diferente al anterior. Espero que los próximos proyectos sigan sacándome de la zona de confort, y sueño con actuar en Argentina, en México, en otro idioma. Son desafíos que me atraen y que añaden capas de complejidad a la actuación.

—En Argentina tu trabajo empezó a resonar mucho. ¿Qué sentís al conectar con un público que está a kilómetros de distancia?

—Crecí con producciones argentinas. Fui la niña de Floricienta, Casi Ángeles, Patito Feo, todas las novelas de Cris Morena que llegaban por Disney Channel. Desde muy pequeña tengo un gusto por lo argentino. Más grande, empecé a ver cine argentino, que me parece espectacular. Me enamoré de Buenos Aires, de su comida, del teatro, de la vida nocturna, del humor y la pasión con la que viven todo. Es un país que me llama desde muchos lados y me encantaría poder ir una temporada larga a estudiar o a trabajar allá.

—¿Hay alguna figura argentina con el que te gustaría trabajar?

—Me encantó trabajar con Sebastián Ortega, nuestro productor. Me gustaría seguir creando de la mano con él. Killer Nannies fue una apuesta muy grande para Disney y fue un proyecto que se volvió más robusto gracias a su dirección y su intervención en la edición, la música y los cortes. Me encantaría seguir trabajando con Sebas.

—El éxito de la serie y de tu trabajo llegó incluso a lugares como Hollywood. ¿Por qué creés que hay tanta fascinación con las historias y los personajes latinoamericanos?

—Creo que en Latinoamérica tenemos procesos políticos y sociales muy fuertes, historias que sorprenden por lo particulares y complejas. Apenas ahora el mundo empieza a interesarse más en nuestras culturas porque nuestras historias tienen un impacto muy profundo. Además, hay un movimiento contracultural y de auge de lo latino, con nuestros artistas y músicos marcando tendencia incluso en el Super Bowl. Es una región culturalmente riquísima y el mundo está empezando a mirar hacia acá.

—¿Qué marca te gustaría dejar en la industria audiovisual? ¿Te gustaría ser recordada por tus papeles y por llevar la identidad latina más allá de los límites conocidos?

—Me gustaría estar siempre en proyectos que reflejen humanidades complejas y que sirvan como un aporte. Creo mucho en el poder de las historias y en la conexión ancestral que tenemos con ellas. Me gusta pensar la actuación como un servicio a la humanidad, una entrega que puede aportar a la sanación cultural. Espero que mi trabajo deje esa huella y, por supuesto, me encantaría llevar mi carrera a Hollywood, pero también seguir siendo parte del cine latinoamericano.

—¿Qué mensaje le dejarías a quienes aspiran a actuar o dirigir, con el sueño de destacarse a nivel global?

—Estudiar, estudiar y seguir estudiando. El talento no es nada sin disciplina ni estudio. Esta es una profesión que exige mucha entrega y preparación. Yo soy fruto de todas las horas que llevo estudiando, porque no era tan buena al principio. Puede haber carisma, pero lo que te lleva lejos es la constancia y el trabajo diario. Así que lo único que puedo decir es: estudien y prepárense todo lo que puedan.