Después de décadas de shows y de llevar su música por todos los rincones del país, Los Nocheros se consolidaron como una de las bandas más icónicas del folclore argentino. u música y estilo influyeron en nuevas generaciones de artistas y públicos, y su aporte al género marcó un antes y un después en la escena nacional. Así las cosas, este 2026, el grupo se prepara para celebrar sus 40 años a lo grande.

Justamente, dicho aniversario vino de la mano de un gran reconocimiento: el premio Gardel a la trayectoria. Días atrás, el teatro Coliseo se vistió de gala para celebrar lo mejor de la música argentina. Allí, la banda integrada por Mario Teruel, Rubén “Negro” Ehizaguirre y Álvaro Teruel fue ovacionada por sus colegas y distintas figuras de la industria.

Entre tantos talentos jóvenes, la velada dio lugar al premio tras la presentación de Diego Leuco. Así, Los Nocheros subieron al escenario y agradecieron esta distinción: “No somos ceremoniosos para nada, pero después de 40 años amerita el momento. Los pasamos vertiginosamente, lo hemos disfrutado mucho. No vayan a pensar que nos hacen sentir viejos con esto, para nada. Cada vez que salimos de gira para nosotros es un disfrute, un viaje de fin de curso, pero la familia quedan esperando. El agradecimiento terno es a la familia, a los amigos, a la música bendita que nos hace pasar cosas hermosas”.

Durante estos 40 años, la banda editó más de 25 álbumes, vendieron millones de discos y actuaron en escenarios emblemáticos de Argentina y el mundo. Además de los logros cuantificables, el grupo se mantuvo vigente gracias a la conexión construida con su audiencia, sorteando cambios y desafíos sin perder su esencia ni su vínculo emocional con el público.

A lo largo de su carrera, Los Nocheros impulsaron la profesionalización del folclore argentino, elevando la calidad de las producciones y la puesta en escena, y contribuyendo a una nueva percepción del género en el país. La gira por sus 40 años muestra a la banda en un momento de madurez y renovación, reafirmando su vigencia y su capacidad para emocionar tanto a quienes los acompañan desde sus inicios como a nuevas generaciones que descubren su legado.

En una charla con Teleshow, los músicos expresaron su felicidad al notar que el folclore resurgió en Buenos Aires: “Estamos muy felices de estar en Buenos Aires, juntarnos con amigos para así decirles a todos que el folclore sigue vivo, que le metamos, que hay momentos altibajos. Va y vuelve, es como una ola. Para nosotros, todos estos años han pasado muy rápido. Y si miramos hoy día las cosas, vemos que nuestra carrera ha sido maravillosa. Obviamente, hemos sacrificado cosas, como perdernos cumpleaños de nuestros familiares, pero existen otras personas que también atraviesan lo mismo que nosotros”.

Respecto a la fórmula para perdurar en la memoria colectiva de la gente por tantas décadas, Mario Teruel destacó: “Uno de los secretos para que nosotros logremos estar tanto tiempo en el corazón, en la memoria de la gente, es porque hemos hecho un laburo con canciones que verdaderamente han emocionado a un montón de gente a lo largo de los años”.

Respecto en su influencia en las nuevas generaciones, y el éxito actual del género en discos como el de Milo J -La Vida Era Más Corta-, los músicos comentaron: “El folclore siempre está. Simplemente tiene que haber alguien que quiera tomarlo y cantarlo. A nosotros nos pone muy felices y nos hace muy bien ver que de una manera o de otra los chicos se van arrimando y que se expresan con el folclore”.

En este contexto, Los Nocheros anunciaron una única presentación en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires el próximo 11 de agosto. El show, titulado “Nocheros 40 años. El show”, forma parte de la gira aniversario con la que la banda celebra cuatro décadas de historia junto a su público. El repertorio incluirá los clásicos que acompañaron a distintas generaciones y repasará los momentos más significativos de una trayectoria que transformó el folclore argentino.

El regreso al Teatro Gran Rex tiene un significado especial para el grupo. A finales de los años ‘90, ese escenario fue testigo del crecimiento exponencial del fenómeno Nocheros, consolidando una relación que perdura con el público porteño. Volver allí, en el marco del aniversario, representa un reencuentro con la historia y la memoria colectiva de quienes acompañaron el recorrido de la banda.

Crédito: Jaime Olivos

La muerte de Agostina Vega conmocionó a toda la Argentina. La adolescente de 14 años fue encontrada sin vida este sábado en Córdoba luego de una semana de intensa búsqueda que mantuvo en vilo al país. En medio de ese dramático escenario, se conoció el difícil momento de salud que atravesó su mamá, Melisa Heredia, pocas horas antes de que se confirmara el peor desenlace.

Según trascendió, la mujer sufrió una fuerte descompensación durante la jornada del sábado y debió ser trasladada de urgencia a un centro de salud de la capital cordobesa. El episodio ocurrió mientras continuaban los operativos para encontrar a Agostina y cuando la familia todavía mantenía la esperanza de hallarla con vida.

Una ambulancia llegó hasta la vivienda familiar, ubicada en barrio General Mosconi, luego de que Melisa presentara un cuadro de deshidratación y un importante deterioro físico producto del estrés y la angustia acumulados durante los días de búsqueda.

Los profesionales de la salud que la asistieron decidieron derivarla al Hospital San Roque para realizarle estudios y mantenerla bajo observación médica. La situación generó una enorme preocupación entre los familiares y allegados, que ya atravesaban momentos de extrema tensión.

Sin embargo, la descompensación del sábado no habría sido un hecho aislado. Apenas un día antes, Melisa también había sufrido una crisis durante una movilización realizada en el centro de Córdoba para pedir por la aparición de su hija.

La marcha reunió a familiares, amigos, vecinos y personas que se solidarizaron con el caso. En medio del reclamo, la mujer se quebró emocionalmente y debió ser asistida por personal médico luego de sufrir una descompensación cerca del Patio Olmos.

Las imágenes de aquel momento recorrieron rápidamente los medios y las redes sociales. Pese al delicado estado en el que se encontraba, Melisa continuó participando de las actividades organizadas para visibilizar la búsqueda de Agostina.

Durante esos días también brindó declaraciones públicas en las que expuso la desesperación que atravesaba. Entre lágrimas, reconoció que prácticamente no podía dormir ni alimentarse desde que su hija había desaparecido.

Quien también aportó detalles sobre la situación fue Miguel, abuelo de Agostina y padre de Melisa. En diálogo con la prensa explicó que su hija es celíaca y que el desgaste físico era consecuencia directa de varios días sin comer adecuadamente y bajo un enorme nivel de estrés.

Finalmente, horas después de aquella internación, la investigación confirmó la noticia que nadie quería escuchar: Agostina Vega fue encontrada sin vida en un descampado de barrio Ampliación Ferreyra.

Mientras la causa continúa avanzando y la Justicia intenta esclarecer lo ocurrido, el dolor de la familia conmueve a todo el país. La imagen de una madre que luchó hasta el último momento por encontrar a su hija se convirtió en uno de los símbolos más desgarradores de una historia que terminó de la manera más trágica.

En el escenario, Julieta Zylberberg se sumerge en las profundidades de un vínculo que se transforma. Y en diálogo con Teleshow, sintetiza el concepto detrás de Carrera de fondo, su nuevo desafío teatral: “Creo que habla de que hay que ser valiente para dejar de amar y en general se es bastante cobarde”, confiesa sobre la pieza que la tiene como protagonista junto al actor Gadiel Sztryk en el Teatro Picadero

A través de su trabajo, Zylberberg explora las tensiones entre el amor y el desamor, y la honestidad que exige enfrentar el final de una etapa. En esta charla íntima, la intérprete comparte su mirada sobre ese desafío a veces silencioso de aceptar que un ciclo terminó, mientras la comedia y la emoción conviven en cada función. El resultado es una conversación íntima, donde la experiencia personal y la ficción se entrelazan, mostrando que la valentía no siempre significa insistir, sino también soltar.

—Carrera de fondo comienza con una escena cotidiana y familiar…

—Sí, es una obra que habla de una pareja que tiene dos niños chiquitos, un bebé de siete meses… ella está terminando de amamantar al bebé, lo duerme. Él inmediatamente después le plantea que quiere abrir la pareja porque se enganchó con otra mujer. Entonces ahí empieza un largo camino, con subidas y bajadas. Habla del amor, del desamor, pero mi interpretación de la obra es que hay que ser valiente para dejar de amar, y en general se es bastante cobarde. El tipo le dice de abrir la pareja, pero en realidad le dejó de amar.

—Una propuesta, el amor y el dolor que atraviesa la pareja…

—En el dejar de amar y en el dejar de ser amado, es muy difícil, Cómo cuesta aceptar y cómo duele la cobardía del otro, que en general hace tomar decisiones al que no quería tomar la decisión, al que no se había planteado nada. Eso es bien interesante de la obra.

—¿Cuál es el momento más difícil de una relación?

—Es tanto dejar de amar como dejar de ser amado. Porque dejar de amar también es muy difícil y es muy doloroso.

—Y el reconocimiento de ese final…

—Reconocerlo, pero el pánico que genera, ¿no? Porque en última instancia a vos te dejan y decís: “Bueno, me dejaron, qué sé yo, ni idea por qué…”. Es decir, se sufre y se sigue adelante. Pero qué triste que es dejar de amar, no tiene vuelta atrás.

—¿Cómo se refleja esa crisis en la obra?

—Se generan como distintos tires y aflojes, muy dolorosos por la situación, además con niños chicos y un proyecto que se desarma mientras se estaba construyendo. Es como un edificio, en realidad empieza a implosionar un edificio de pozo. Me gusta esa metáfora, (se ríe).

—La obra maneja el humor…

—Es desopilante, porque está contada y escrita de origen ya con mucho humor, la obra es de Nadine Lifschitz, y la adaptó Mariana Chaud. Y por supuesto nosotros la miramos también con humor.

—¿Qué es lo que más te incomoda de actuar en esta obra?

—Nada incomoda, es pura felicidad ir a hacer la obra. Es hermosísimo, es un disfrute total. Nos matamos de la risa con mi compañero, que es lo máximo. Hablar del amor y del desamor es lo que más me encanta en la vida, en el teatro, en el cine.

—No hay fibras íntimas que se vean afectadas…

—Imaginate que sería un problema si uno no puede soltar su vida porque te estás metiendo en historias cada un segundo. Soltar tu vida y usar tu vida también. Siempre uno usa su vida, más que su vida, sus sentimientos, sus emociones conocidas, qué sé yo. Y eso es hermoso porque uno exorciza. Nunca es incómodo, al contrario, siempre es liberador.

—¿Hace falta vivir lo mismo que el personaje para interpretarlo?

—Nunca la historia que uno cuenta es la historia de uno, pero no hace falta. Ni hace falta ser asesino para hacer de asesino, ni hace falta haberse separado de una manera para actuarlo. Pero sí me parece que de repente tirás unas flechas emocionales en donde podés unir un poco.

—¿Cómo lográs despegarte del personaje y no quedarte con la carga emocional?

—No salgo deprimida y en el teatro el público se ríe. Además después de la función, se genera mucha conversación, debate, interacción, y eso es muy rico en todo sentido.

La actriz equilibra sus inquietudes personales y su crecimiento profesional. Mientras avanza en nuevos proyectos teatrales y cinematográficos, Zylberberg reconoce el valor de las historias que la han marcado, como Carrera de fondo, y la forma en que esas experiencias nutren su percepción del amor y los vínculos.

La intérprete comparte que, a lo largo de su trayectoria, ha aprendido a mirar los afectos desde una perspectiva honesta y abierta, influida tanto por los personajes que encarna como por los relatos que elige contar. “Cada obra deja una huella”, reflexiona con Teleshow, aludiendo al impacto de esas ficciones en su vida cotidiana.

Para Zylberberg, el reconocimiento del público representa una confirmación del compromiso con su oficio, pero también una invitación constante a reinventarse. La actriz concluye que los desafíos artísticos y las emociones que surgen en cada trabajo la impulsan a seguir buscando nuevas formas de expresión, tanto en el escenario como en la pantalla.